Falando em Cinema Por Márcio Malheiros

Crítica: O VIZINHO

2009-05-05T15:23:00.000-07:00

NO CALOR DA DISCUSSÃO

Os filmes de suspense psicológico, na maioria das vezes, pecam pelo eventual reducionismo de ter sempre um psicopata como vilão. Este O VIZINHO trabalha com a deformação de uma personalidade depois (ou desde sempre) do falecimento de sua esposa – e a inesperada possibilidade de adultério – gerando todo o potencial de psicopatia em um policial (Samuel L. Jackson) que acaba por transbordar seu inconformismo nos seus novos vizinhos. O filme trabalha com a formação de mais um homicida insano dos cinemas.

O filme possui um bom roteiro e a direção de Neil LaBute soube transformar o texto em imagens atraentes, com diálogos ásperos e alfinetadas inteligentes da personagem de Jackson para com o casal da sua casa ao lado. O longa desenvolve bem suas premissas. O filme provoca uma empatia crescente no telespectador. Porém, LaBute joga na lama toda a tensão de uma narrativa baseada nos conflitos de ordem psicológica conseguida com certa facilidade – devido principalmente à boa atuação de Jackson – em seu quarto final. E então, O VIZINHO se transforma em mais um rotineiro (mas não descartável) filme sobre psicopatia. O decepcionante final atesta esta afirmação. Assim, o diretor deixou de conceber uma pequena obra-prima sobre a intolerância transformada em perda da razão.

Neil LaBute utiliza o calor e as chamas de um incêndio que aproxima das moradias dos protagonistas em questão para metaforicamente mostrar que a situação era irreversível. Recurso fílmico utilizado com estilo na trama. O VIZINHO trabalha com racismo que gera antipatia, que gera perseguição, que gera conflitos e por fim, gera fatalidade. E narra o calvário de um jovem casal às voltas com uma personagem que por desprezar a política de boa-vizinhança acaba por se transformar em um espinho para seus incrédulos e incautos antagonistas.

Crítica: EVOCANDO ESPÍRITOS

2009-04-24T15:58:00.000-07:00

FALTA COERÊNCIA À NARRATIVA

Os filmes de terror são bem aceitos pelo espectador. Todavia, são raras as películas que conseguem atingir um nível de angústia que deixe o público com sentimentos compatíveis com o que bate na tela. Obras da sétima arte que provocam no espectador sustos e pavor são tão numerosos como os torcedores do querido América carioca. Os filmes que conseguem atingir os nervos do público são as que se traduzem como terror psicológico. EVOCANDO ESPÍRITOS não é terror psicológico, tampouco é eficiente como um filme de terror sobre espíritos malignos.

Baseado em uma história real, EVOCANDO ESPÍRITOS possui um roteiro razoável e uma direção das mais sofríveis (Peter Cornwell). O elenco até tenta entrar no clima de sofrimento e angústia que a história pede. Contudo, falta coerência e coesão à narrativa ao longo de toda a projeção. A trama possui vários caminhos equivocadamente trilhados. O filme tem como resultado final uma miscelânea de elementos mal desenhados, mal interpretados e principalmente, mal dirigidos.

EVOCANDO ESPÍRITOS é uma mistura pífia, previsível e mal ajambrada de drama familiar com terror. E discursa sobre as mazelas de uma família que desafortunadamente passa a morar em uma casa amaldiçoada. E que, sofre exaustivamente até perceber que a residência é inabitável para qualquer ser pensante de carne e osso.

A ótica do crítico

2009-04-16T05:29:00.000-07:00

Crítica: ELE NÃO ESTÁ TÃO A FIM DE VOCÊ

O QUE DITA O CORAÇÃO

Seguindo uma das tendências desta década (colocar vários atores e atrizes conhecidos para cada um ter uma importância destacada na trama), este longa dirigido por Ken Kwapis alcança um bom resultado final ao discursar sobre a condição e natureza humana de necessitar e/ou precisar estar ao lado de alguém do sexo oposto. São várias personagens que têm dificuldade em lidar e manter seus idílios. No elenco feminino estão as estonteantes Jennifer Connelly, Jennifer Aniston e Scarlett Johansson. E ainda, a bonita Ginnifer Goodwin que vive a personagem que abre e fecha a trama e acaba por unir todas as outras pontas do roteiro. Ben Affleck é o mais conhecido ator no rol masculino.

ELE NÃO ESTÁ TÃO A FIM DE VOCÊ busca, paulatinamente e didaticamente, fazer uma reflexão sobre os relacionamentos amorosos atuais. Ken Kwapis – apesar de ter alongado um pouco a narrativa - conseguiu costurar agradavelmente o roteiro. A fotografia reluz na tela, tal o esmero da produção. O filme consegue a proeza de ser um reflexo exato das atitudes sentimentais de pessoas na faixa dos trinta anos. Os diálogos atestam esta afirmação. O filme é sensível e verossímil e aborda desde romantismo pueril a adultério com a mesma classe. E narra as incertezas do coração de uma sociedade menos rigorosa em relação aos seus dogmas e, justamente por isso, mais estressada e menos satisfeita com o andar da carruagem. O filme tem uma visão do presente sem esquecer de olhar o passado.

Crítica: PRESSÁGIO

ESTILHAÇOS DA BOMBA

PRESSÁGIO vai entrar na lista dos piores filmes do competente Nicolas Cage no futuro. A atuação do ator também vai para uma lista de suas piores performances no cinema ( taciturno e seguindo uma linha equivocada de interpretação). Cage interpreta um professor viúvo, desiludido com seus conceitos e opiniões. E desencantado com a vida que leva. Sua expressão facial é sempre triste. O protagonista deste drama sobre o Apocalipse é a síntese da cansativa e arrastada – embora tenha (d)efeitos especiais – narrativa do filme dirigido por Alex Proyas.

A fotografia em tom acinzentado e a trilha sonora vibrante são os pontos altos da película. Muito pouco para um filme que mistura tantos elementos fílmicos contidos em seu roteiro. Trabalha com números cabalísticos, alienígenas, paranormalidade e tragédias reais. PRESSÁGIO esbarra em sua própria pretensão de ser um grande filme. A história é basicamente absurda e inverossímil. O filme é sofrível e claudicante.

PRESSÁGIO narra a via-crúcis de um homem que descobre por meio de um antigo documento o código premonitório de catástrofes passadas e futuras. E que, depois de travar uma batalha ingloriosa com o destino, aceita resignado os presságios incapazes de serem evitados.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: FOI APENAS UM SONHO

2009-02-10T09:46:00.000-08:00

CASAMENTO EM CRISE

A talentosíssima Kate Winslet e o sempre competente Leonardo DiCaprio voltam a estrelar um filme juntos como protagonistas principais. Depois da mega produção TITANIC. Sob a direção de Sam Mendes este FOI APENAS UM SONHO pode ser considerado como a versão, anos 2000, de BELEZA AMERICANA. Filme vencedor do Oscar no final dos anos 90, com Kevin Spacey no elenco. Há semelhanças evidentes entre as duas películas. A mais notória é a crise no casamento que é o mote principal dos dois filmes.

April (Kate Winslet) e Frank Wheeler (Leonardo DiCaprio) se conhecem em um bar. E acabam se apaixonando. Os dois, já com dois filhos, decidem morar em uma cidadezinha pacata dos Estados Unidos. São calorosamente recebidos pelos vizinhos e Frank tem um emprego que detesta, mas permite uma vida confortável para si e a sua família. Até que April toma a decisão, logo acatada pelo marido, de morar na França. Os dois passam a sonhar em realizar tal objetivo. Sem saberem que a inviabilidade do projeto traria conseqüências tanto de ordem emocional como trágica para um dos cônjuges.

O filme aborda a fragilidade de algumas pessoas em lidar com o seu psicológico. Além de tratar da fragilidade na convivência matrimonial e nas relações humanas. Toda a trama gira em torno deste tripé: casamento, emocional e hipocrisia. São questões altamente relevantes que Sam Mendes soube retratar com sobriedade e elegância. Os significantes e o significado do filme funcionam perfeitamente. O jogo de conveniências empregado pelas personagens secundárias já fazia parte da sociedade monogâmica em 1955 (data da ambientação da trama). A idiossincrasia do filme procura trabalhar com o âmago dos espectadores.

A parte técnica como fotografia e cenários são requintados, mas o mérito do filme é o enfoque nos relacionamentos humanos. Isso afirma que a verdadeira intenção de Sam Mendes era fazer um filme focado nas personagens e seus conflitos, sonhos, sentimentos e frustrações. É um filme de época onde o conteúdo é muito mais destacado que a estética. FOI APENAS UM SONHO foi transposto do livro de sucesso para os cinemas. Essa adaptação sugere muitos elementos narrativos que o diretor soube explorar. Sabendo, ainda, usar a trilha sonora nos momentos certos, Sam Mendes parece ter captado a essência do livro e fez uma obra senão irretocável, bastante original e que causa impacto. Uma dos atrativos do filme são as memoráveis atuações de Winslet e DiCaprio. Com destaque para a estonteante atriz.

A rotina do casamento de April com Frank revela uma imaturidade enorme de ambos para o convívio em comum: a personagem de DiCaprio transa com uma estagiária de seu emprego; ambos não dão a atenção necessária aos filhos e ainda, sonham de maneira quase infantil com a utopia de morar em Paris – fato que desperta surpresa e inveja aos seus ouvintes -. A terceira gravidez de April é motivo – injustificado – para o início do desmoronamento daquilo que vinha se anunciando: o desfecho da relação dos protagonistas principais. A traição da personagem de Winslet – grávida – realça a inexperiência e desequilíbrio psicológico da personagem em lidar com o cotidiano.

FOI APENAS UM SONHO aborda romance, crise no matrimônio, jogo de interesses e de aparências, conveniências, adultério, aborto e utopia. E narra a gestação, formação, deformação e término de um casamento conduzido pela irresponsabilidade e imaturidade de dois amantes na faixa dos trinta anos que não possuem o suporte emocional adequado para sustentar uma relação e levar adiante o conceito de família que conseguiram realizar. Aceitam facilmente interferência externa. Até que, a fatalidade põe um ponto final a uma relação invejada nos mais próximos. E que, efetivamente, não mais existia, pela falta de comunicação entre os dois e pela dificuldade do casal em lidar com a realidade.

Crítica: QUARENTENA

2009-01-26T05:41:00.000-08:00

TERROR INTRIGANTE E CLAUSTROFÓBICO

Este QUARENTENA estreou nos cinemas pouco tempo depois do lançamento de REC. O primeiro é, na verdade, uma refilmagem norte-americana do sucesso do segundo. O original REC é espanhol. A rapidez no tempo de produção dos remakes – em comparação com os lançamentos de seus originais - é enorme atualmente. A estrutura cinematográfica de QUARENTENA pode ser comparada também, a de A BRUXA DE BLAIR (filme que também utiliza a idéia de uma câmera na mão como sendo o ângulo de visão único do filme).

A extrovertida e atraente Ângela Vidal – personagem de Jennifer Carpenter – é uma repórter de uma emissora de televisão que, contando com a parceria de seu cameraman iniciam uma reportagem sobre o cotidiano em um quartel dos bombeiros – de olho em alguma missão -. Até que, o alarme de emergência é acionado e a jornalista parte, juntamente com uma dupla de bombeiros, para um edifício onde existe algo suspeito.

QUARENTENA é um filme produzido por um grande estúdio, mas sua estrutura – e seu mérito – é a manutenção da idéia de um filme amador. Não há trilha sonora. Os sons e ruídos do filme são do ambiente. Outra grande virtude é a espontaneidade dos atores. O destaque fica para sua estrela principal que mistura em doses corretas, o entusiasmo de uma jovem repórter, passando pela expressão de tensão com os acontecimentos e enfim, medo e desespero evidentes devido à calamidade da situação. Os diálogos são acertadamente corriqueiros. QUARENTENA passa realmente a sensação de um documentário autêntico, tal o realismo de suas cenas.

O filme joga na tela, sob uma atmosfera de claustrofobia absoluta, uma intrigante história (ao que parece verídica – pelos menos sua campanha de Marketing assim afirma -) de um edifício onde produtos químicos e biológicos teriam causado uma infecção em seus moradores que passam a desenvolver sintomas da Raiva canina. Não por acaso, há um cachorro e um veterinário entre as personagens. O filme vai mostrando assim, a mudança de comportamento dos infectados. Que passam do racional para o irracional. Do estado de normalidade para a violência.

QUARENTENA utiliza o recurso, sempre recorrente, da idéia de zumbis. Como em vários filmes sobre mortos-vivos, aqui também, a contaminação se dá por uma mordida que transmite os sintomas e transforma o infectado em algo perigoso, mesmo sem ter pulsação cardíaca. O filme é uma diversão rápida e eficaz. O objetivo do filme é causar sustos e calafrios. Objetivo plenamente alcançado. Sob um forte impacto, o espectador assiste ao descaso das autoridades responsáveis para entre duas a duas e meia dezenas de pessoas que se vêem trancafiadas no prédio e tendo que lutar pelas suas próprias vidas. A idiossincrasia de QUARENTENA transmite uma angústia latente nos espectadores. Uma virtude e tanto.

QUARENTENA é um filme instigante e visceral. E faz um interessante jogo de ficção dentro de uma realidade em uma história ficcional. E narra a ingrata jornada de trabalho de uma dinâmica repórter de televisão em busca de um furo jornalístico para o canal de TV onde trabalha. E que, levada pela casualidade, faz instintivamente a cobertura da reportagem errada e aos poucos vai sentindo seu estado emocional ficar abalado, até ter que lutar pela sua própria existência.

2009-01-24T15:15:00.001-08:00

Crítica: O DIA EM QUE A TERRA PAROU

RECHEADO DE IDÉIAS E METÁFORAS QUE NÃO SURTEM EFEITO

Esta refilmagem do filme homônimo de 1951 traz no elenco um sisudo Keanu Reeves e a beldade Jennifer Connelly. É na verdade mais um filme-catástrofe sobre o apocalipse que Hollywood produz com certa regularidade. Este O DIA EM QUE A TERRA PAROU tem como princípio básico uma invasão alienígena como fato motivador do fim dos tempos. E é mais denso que similares como INDEPENDENCE DAY de Roland Emmerich.

A rotina da bióloga Helen Benson (Jennifer Connelly) é interrompida com a sua convocação para analisar uma esfera que irá cair na Terra vinda do espaço. O alienígena Klaatu (Keanu Reeves) chega ao planeta com a missão de verificar o comportamento de seus nativos. Recebido com violência e dotado de poderes especiais e incomuns, resolve salvar a Terra dos humanos. Ou seja, exterminar com os seus habitantes. Com as autoridades responsáveis agindo com rigor, Benson parece ser a única pessoa capaz de reverter a impressão inicial do alienígena de que os humanos são somente destruidores e devastadores.

O DIA EM QUE A TERRA PAROU possui em seu roteiro algumas metáforas. Klaatu seria uma espécie de Deus que tem o poder de destruir os humanos – como na época do Dilúvio - e também, a capacidade de dar-lhes mais uma chance para que reflitam e passem a ter mais humanidade para com seus semelhantes. As esferas menores que caem em vários pontos do planeta seriam como a Arca de Noé utilizadas com a finalidade de preservar um casal de cada ser vivo do planeta. Questões polêmicas que Scott Derrickson (diretor do filme) levanta.

Contando com atuações razoáveis de Keanu Reeves e Jenniffer Connelly e uma boa quantidade de efeitos especiais, O DIA EM QUE A TERRA PAROU, possui algumas virtudes que Scott Derrickson soube aproveitar. Há um estilo narrativo na forma de filmar do diretor. O ritmo lento e definido – para um filme com efeitos visuais – da câmera de Derrickson é agradável. Há muitos closes em Reeves e Connelly aceitáveis. Inaceitável seria a quantidade de pedidos de clemência que Benson faz a Klaatu. Soa um tanto piegas. Contudo, a idiossincrasia do filme é modorrenta devido ao vazio e obviedade do roteiro. Embora tenha alguns momentos interessantes, o seu resultado final é insatisfatório. Suas vicissitudes não produzem o efeito desejado, em razão das inúmeras cenas completamente dispensáveis.

O DIA EM QUE A TERRA PAROU busca vários caminhos para trilhar, sem acertar em nenhum deles. Teoriza que existe continuação da vida e também que os humanos possuem um nível de conhecimentos inferior ao demais seres de outros planetas. Aqui, fica evidente que o filme é bem afirmativo em sua essência e pretensão. Todavia, o filme deixa lacunas filosóficas e conceituais. O filme trabalha com perspectivas. A sua real intenção é ser uma obra de vanguarda.

O DIA EM QUE A TERRA PAROU trabalha com hipóteses ufológicas e Divinas. E aborda a possibilidade do fim dos tempos ao narrar a trajetória de um alienígena que ganha uma imagem humana e que, em clara antítese, aterrissa no solo norte-americano como amigo e depois de sofrer um atentado, passa a ser antagonista dos nativos ao optar pela salvação da Terra dos humanos. E percebe na figura de uma delicada moça haver sentimentos sinceros e amor suficiente entre os nativos da região – e não somente conflitos e incompreensão - para pesar na balança da existência do planeta e no seu julgamento e decisão.

Crítica: CORAÇÃO DE TINTA

2009-01-21T11:13:00.000-08:00

SUCUMBE PELOS EXCESSIVOS ELEMENTOS NARRATIVOS

Brendan Fraser estrela mais uma aventura depois de filmar a continuação de A MÚMIA e VIAGEM AO CENTRO DA TERRA (dois filmes do mesmo gênero). Este CORAÇÃO DE TINTA é uma afirmação que o ator se sente à vontade no estilo cinematográfico e mais, os três longas foram filmados em curto espaço de tempo. Nesta recente produção a aventura é embalada sob um formato de fábula com muitos (d)efeitos especiais. E sem o mesmo encanto do clássico A HISTÓRIA SEM FIM (filme de 1984), por exemplo.

Brendan Fraser interpreta um reparador de livros e dedicado chefe de família que possui um dom especial: ao ler frases de livros em voz alta consegue trazer os personagens para a vida real. Desconhecendo a capacidade de sua paranormalidade, conduz para fora do livro Inkheart (traduzido para Coração de tinta), em certa noite, três de seus personagens e imerge sua esposa na obra. Passa então, a procurar incessantemente uma cópia do trabalho literário para trazer sua cônjuge de volta ao mundo real. Nove anos depois e com sua filha Meggie (Eliza Bennet) crescida, passam a correr riscos devido ao seu erro de outrora.

A montagem sem sincronismo aceitável; a grande quantidade de figurantes e os numerosos elementos narrativos mal ajustados e ainda, a excessiva eloqüência de algumas cenas fazem o filme sucumbir. Embora possua um roteiro atraente, o diretor Iain Softley não soube costurar a quantidade de informações que dispunha. CORAÇÃO DE TINTA possui em sua estrutura cinematográfica uma trama mal-ajambrada. Sobram os detalhes estéticos. O requinte da produção da película pode ser conferido na bela fotografia e nos cenários. Outro detalhe satisfatório é a promissora atuação da jovem Eliza Bennet.

O filme desenvolve uma interessante relação entre ficção e realidade. A passagem dos personagens do livro para o mundo de Mo (Fraser) procura provocar nos espectadores um envolvimento com a trama. A fascinação do autor do livro para com suas personagens (agora de carne e osso) é emblemática nesta afirmação. Um equívoco de Softley foi ter estendido demais a emoção incontida – reafirmada no seu desejo de fazer parte do livro - do solitário escritor.

CORAÇÃO DE TINTA possui uma leveza agradável em sua narrativa. Todavia, algumas cenas fundamentais para a condução da trama soam forçadas demais. O filme é vazio em seu conteúdo. Recheado de clichês e lugares-comuns, a película causa certo desapontamento ao fim de sua projeção. É uma fábula cujos significantes e significado não entusiasmam. Sua idiossincrasia não desperta grande interesse no espectador para com a história contada na tela.

CORAÇÃO DE TINTA é uma fábula razoável que aborda uma desinteressante e modorrenta luta entre o bem e o mal. E narra a trajetória de um homem com um dom especial, que involuntariamente comete um equívoco por desconhecer a tamanha capacidade de sua habilidade extraordinária. Busca, desde então, reparar seu engano. E procura encontrar sua amada esposa para conseqüentemente aplacar sua dolorosa angústia. Mesmo ciente da dificuldade da empreitada.

Artigo: AS SALAS DE EXIBIÇÃO – A NOVA TENDÊNCIA

2009-01-13T14:33:00.000-08:00

As empresas exibidoras de filmes (SEVERIANO RIBEIRO, ART-FILMS, entre outras) passaram a atuar sob uma outra realidade a partir do final do século passado, com a entrada no mercado de empresas de exibição de filmes que passaram a utilizar uma tendência de reunir várias salas ocupando o mesmo espaço. Salas de exibição amplas, confortáveis e bem refrigeradas. Flexibilizando, inclusive, a programação de filmes. Até então, cada empresa exibia filmes de determinadas companhias como a COLUMBIA de Hollywood. Os direitos de exibição desta empresa pertenciam à ART-FILMS.

O processo teve origem com o advento dos shoppings, que já no início dos anos 90 abriu a possibilidade de, inicialmente, haver mais de um cinema da mesma empresa nestes locais de consumo e lazer. Para citar alguns exemplos, mais especificamente da Zona Norte, o GRUPO SEVERIANO RIBEIRO abriu duas salas no Norte-Shopping e a ART-FILMS (em tempos de maior atuação no mercado) também inaugurou duas. Todos os quatro cinemas estão hoje fechados, devido à expansão do citado Shopping que possibilitou a inauguração de dez salas administradas pela rede UCI.

Atualmente, cinemas como os do Madureira-Shopping (com quatro salas) e do Iguatemi (com sete salas) todos do GRUPO SEVERIANO RIBEIRO possuem preços reduzidos em relação aos demais, por não possuírem a marca Kinoplex (salas inclinadas no formato Stadium). Porém, uma inovação que o GRUPO SEVERIANO RIBEIRO implantou, em alguns cinemas como nas cinco salas do cine KINOPLEX NOVA AMÉRICA é a utilização do sistema de compra com lugar marcado. Há neste cinema, como em outros da empresa, na bilheteria, uma tela em formato de planta da sala com a referida numeração de cada poltrona, onde o espectador escolhe o local onde deseja sentar para assistir ao filme escolhido.

Os cinemas de rua tiveram seus dias de glória. E, mesmo as salas de Shopping que não possuem o know-how da marca Kinoplex e ainda, mesmo contando com uma concentração de algumas salas, podem ficar em segundo plano. A tendência moderna e mais aceita pelos espectadores de hoje, é de fato, consumir filmes em cinemas com as características já citadas. Os tempos são realmente outros e empresas como a ART-FILMS (que possui apenas seis salas no West-Shopping) parece não ter acompanhado esta tendência. Empresa respeitável, que este crítico de cinema teve o orgulho de trabalhar um dia na função de Porteiro-indicador, em vários cinemas da cidade.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: CREPÚSCULO

2009-01-08T14:04:00.000-08:00

ARRASTADO E COM FOTOGRAMAS EM EXCESSO

CREPÚSCULO passa a impressão de ser um primeiro trabalho de um diretor. O filme comete erros que evidenciam uma falta de domínio narrativo. O longa possui duas horas de duração e para um roteiro um tanto vazio, haveria a necessidade de uma lipoaspiração nos seus minutos a mais. Tornaria o filme mais enxuto e menos arrastado. Outro defeito – agora de ordem técnica – é a intensidade da maquiagem facial do ator Robert Pattinson que muda em algumas cenas.

Bella Swan (Kristen Stewart) é uma moça introvertida que decide morar com o pai. Precisa mudar de endereço e dar continuidade a seus estudos em uma escola da nova cidade. Consegue amigos em seu novo ambiente estudantil e apaixona-se à primeira-vista por Edward Cullen (Robert Pattinson). Um rapaz considerado estranho por todas as pessoas, não somente da escola como por todos os demais habitantes do lugar. Cullen sente a mesma afeição e à princípio evita ao máximo uma aproximação. Até que movido por sua força e velocidade incomuns evita que Swan seja atropelada.

CREPÚSCULO possui uma narrativa um tanto irregular. A mistura de gêneros como o romance e o terror que movem a trama, torna o filme bem viável comercialmente. Principalmente entre os adolescentes. Mas, um pouco inadequado traduzido para a linguagem cinematográfica. A diretora Catherine Hardwicke utilizou em várias cenas tanto a câmera lenta como a rápida (muitas vezes na mesma seqüência). Um acerto estético.

O filme trabalha com a antítese. A mortalidade e a imortalidade são colocadas em julgamento no bonito idílio baseado em sinceridade e inocência que as personagens de Stewart e Pattinson vivem na tela. A questão moral do amor entre uma humana e um vampiro (dois seres opostos, se levarmos em consideração a existência de tal criatura), também é um antagonismo que Hardwick soube explorar bem. O romance entre os dois protagonistas principais é o maior atrativo de CREPÚSCULO.

CREPÚSCULO é um romance – com uma pitada de terror – exótico e implausível, que é bem produzido e tenta ser original com seus significantes e significado. A personagem de Kristen Stewart é a moça ideal para o casamento e formação de família. Ponto para a diretora. Seus diálogos são interessantes. A fotografia em tom mais escuro evidencia uma tentativa de Hardwicke em dar um estilo ao filme. Porém, o resultado final da película é insatisfatório pela falta de um vigor e um domínio maior da narrativa.

CREPÚSCULO aborda uma paixão bonita e verdadeira entre dois jovens que iniciam uma ligação afetiva desde o primeiro momento que se entreolham. E narra um exponencial amor entre dois seres antagônicos que transformam suas diferenças em uma adocicada e honesta relação. E que, ainda, decidem abdicar de suas condições de caçador e caça; predador e presa para complementarem-se e injetar a tão sonhada felicidade para suas vidas e existência.
MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: SETE VIDAS

2009-01-02T13:14:00.000-08:00

UMA BELA VALORIZAÇÃO DA PUREZA D’ALMA E DO CORAÇÃO

Will Smith é mais uma vez o astro absoluto de uma produção Hollywoodyana. Como em seus sucessos anteriores (o fraco EU SOU A LENDA e o divertido HANCOCK), o ator é a principal estrela deste ótimo SETE VIDAS, que como tal em À PROCURA DA FELICIDADE (também dirigido por Gabriele Muccino) faz os espectadores chegarem às lágrimas devido ao tamanho sentimentalismo que bate na tela. De todos os filmes mencionados SETE VIDAS é sem dúvida nenhuma o melhor. E inclusive, é um dos melhores trabalhos da carreira de Smith – também em relação a sua atuação -.

Ben Thomas (Smith) é um homem determinado a ajudar sete pessoas - de tal forma que transforma inteiramente a vida delas-. Ben Thomas analisa o cotidiano de cada um. Analisa gestos e ações para descobrir se as pessoas possuem bondade em seus corações. Sua decisão é tomada partindo do princípio que seus escolhidos merecem realmente receberem o seu apoio. Sua missão possui uma causa não revelada a princípio. Usando de uma boa visão das personalidades de cada um e cometendo falsidade ideológica, o personagem principal consegue alterar positivamente o destino de seus agraciados.

SETE VIDAS possui uma narrativa lenta e apreciativa. Carrega uma grande semelhança com os filmes europeus – onde uma imagem vale mais que mil palavras -. O diretor da película busca nos detalhes – conseguidos através de closes e ângulos da câmera – cênicos uma forma estilosa e apreciável de filmar. O estilo narrativo de Gabriele Muccino é muito importante para a eficiência do longa. Muccino soube aproveitar ainda, cada momento de emoção do ótimo roteiro e valorizá-los emocionalmente ao máximo.

Uma das teorias que se obtém do filme é um significado religioso para as atitudes que a personagem de Smith expõe. Como se estivesse num Purgatório emocional (há uma explicação plausível para tanta generosidade e caridade que Ben Thomas exala durante toda a projeção do filme) Ben Thomas busca com seu planejamento benévolo sua redenção interior, moral e religiosa. Atormentado por um erro do passado (provocou um acidente de forma acidental), Ben Thomas age com muita determinação em seus objetivos.

SETE VIDAS trabalha com os sentimentos e emoções dos espectadores. Sem resvalar em pieguice e hipocrisia, o filme vai fundo no emocional humano. O choro que SETE VIDAS provoca durante sua exibição é prolongado para até depois de sua exibição. Impactante, sóbrio, forte e sentimental, SETE VIDAS é o tipo de filme para ser visto e revisto. È um dos melhores melodramas desta década e um dos melhores filmes de 2008.

Gabriele Muccino aproveita um roteiro original e bastante interessante para conceber uma história intensa sobre o acaso, a fatalidade, a culpa, a determinação, o transtorno emocional, a redenção e o desfecho disto tudo com um clímax tão triste e lacrimogêneo quanto memorável e eficaz sob todos os aspectos cinematográficos. Um final digno de um grande filme.

SETE VIDAS é um grande filme ao possuir um roteiro instigante, uma direção exemplar, boas atuações (com destaque para seu ator principal), diálogos primorosos, trilha sonora acertada e muita emoção que transborda da tela. Além disso, a montagem é perfeita. Suas surpresas são reveladas paulatinamente. Gabriele Muccino possui o domínio total da narrativa e realizou uma obra tão virtuosística em seu conteúdo e estética que seus significantes e significado são plenamente resolvidos e definidos. Sua idiossincrasia permite uma perplexidade e um choque emocional. Em tempos de conflitos de tolerância, SETE VIDAS é um banho de água fria em um deserto escaldante.

SETE VIDAS é uma exaltação à bondade e pureza da alma e do coração. E uma profunda reflexão sobre os gestos, ações e decisões das pessoas nos tempos modernos. E narra o tormento psicológico e doentio que um homem passa a conviver após uma fatalidade provocada por um descuido e que então dedica algum tempo de sua vida a buscar sua reparação e redenção pessoal e divina. E que, ainda, ao perceber estar emocionalmente envolvido com uma de suas escolhidas, antecipa seus planos e sem perceber desperdiça a chance de conseguir alívio para suas angústias e uma recompensa para tamanho empenho e altruísmo.

P.S.: Este crítico de cinema deseja a todos os seus leitores um FELIZ E PRÓSPERO 2009.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: VICKY CRISTINA BARCELONA e O SONHO DE CASSANDRA

2008-12-22T13:50:00.000-08:00

WOODY ALLEN VOLTA AS SUAS ORIGENS CINEMATOGRÁFICAS

Depois de realizar dois filmes que fugiam a seu estilo tanto narrativo quanto de gênero: as obras-primas MATCH POINT (com Jonathan Rhyes Meyers e Scarlett Johansson) e O SONHO DE CASSANDRA (com Colin Farrell e Ewan McGregor), Woody Allen retorna a comédia - estilo cinematográfico que o consagrou -. Tanto neste VICKY CRISTINA BARCELONA quanto nos antecessores fica evidente o domínio narrativo e artístico de um cineasta mais que maduro em seu ofício. Fica claro também, que tanto na comédia como no drama, Allen sabe conduzir uma narrativa apoiado em seu próprio roteiro.

A trama deste badalado filme – recebeu indicação ao GLOBO DE OURO como melhor filme no gênero comédia ou musical – inicia com a chegada de duas turistas à Barcelona. As moças interpretadas pela sensualíssima - ao que parece ser a nova musa do diretor - Scarlett Johansson (Cristina) e pela bela Rebecca Hall (Vicky) passeiam pela cidade até que Cristina sente uma atração por um catalão interpretado pelo sempre competente ator Javier Bardem (indicado como melhor ator por este seu desempenho para o já citado GLOBO DE OURO). Tendo início um jogo de sedução sem muitas cerimônias. Bardem (Juan Antonio) se apresenta as duas e logo de cara diz que deseja levá-las para a cama. O trio então parte para Oviedo (cidade espanhola). Esta viagem de final de semana inesperada para Vicky e Cristina desencadeia uma série de fatos.

VICKY CRISTINA BARCELONA possui uma narrativa leve e descontraída. Sua montagem é perfeita. A trilha sonora é um capítulo à parte. Bem escolhida, ajuda no tom suave que Allen injeta à trama, e ainda, faz dançar. Os diálogos são tão interessantes quanto agradáveis. Allen optou por uma fotografia bem clara evidenciando distanciar-se ao máximo de seus trabalhos anteriores. As atuações são excepcionais. Com destaque para Bardem. Mas, as também indicadas ao GLOBO DE OURO Scarlett Johansson e Rebecca Hall e ainda Penélope Cruz (Maria Elena) estão em plena forma diante das câmeras.

O filme trata da felicidade, em sua plenitude, no amor e no casamento. Allen realiza um moderno pequeno clássico sobre ser e estar feliz para pessoas que às vezes desejam mais, muito mais do que deveriam supor querer e cobiçar. Aqui, ser feliz não basta para as personagens. É preciso ir mais além. A estabilidade financeira e emocional que a personagem de Rebecca Hall tem ao lado do marido – algo com o qual sempre sonhou - não é suficiente para mantê-la satisfeita. Deseja outros momentos com Juan Antonio. Sintoma da falta do ser humano em contentar-se definitivamente com o que conseguiu conquistar.

VICKY CRISTINA BARCELONA esmiúça um amor doentio entre Juan Antonio e Maria Elena. Esta relação é um dos pontos chaves da trama. A descompromissada Cristina - com relação a estabilidade amorosa - acaba por entrar na rotina, primeiramente com Juan Antonio, do casal. Assumindo o papel de catalisadora de emoções entre o par recém separado. Portanto indecisos quanto aos seus sentimentos. Fica estabelecido um triângulo amoroso entre os três. Não de imediato e também sem ser duradouro. No estranho amor entre as personagens de Bardem e Cruz são citadas as frases mais poéticas da película: “Somente um amor não consumado pode ser romântico” dita por Bardem repetindo a frase de sua ex-esposa e “Nosso amor é o mais e o menos completo” falada também pela personagem de Bardem, referindo ao seu casamento. Frases assumidamente poéticas que refletem um estado filosófico muito profundo que Allen soube como poucos transmitir com exatidão.

Allen faz de Bardem o ápice das atenções. Seu Juan Antonio é a personagem central do filme, sobre ele transitam Penélope Cruz, Scarlett Johansson e Rebecca Hall. Seu Juan Antonio quando toma a iniciativa de aproximar-se de Vicky e Cristina dá início a uma série de experiências e emoções afloradas que move e impulsiona toda a narrativa delicada e prazeirosa de VICKY CRISTINA BARCELONA. Juan Antonio é o típico conquistador que mudaria seu estilo de vida caso tivesse entrosamento de discurso com a neurastênica Maria Elena.

Dois detalhes do filme afirmam a marca de Wood Allen. Ao optar pela narração em off durante todo o filme, o diretor revela um acerto na estrutura narrativa de VICKY CRISTINA BARCELONA. E a insistência da personagem de Bardem quanto ao idioma que Cruz deve usar enquanto fala com Johansson. Trata de uma alfinetada nos filmes americanos quando são rodados em outros países e ainda assim seus diálogos são do idioma inglês.

VICKY CRISTINA BARCELONA é um filme belo e motivador. É também, um manual bem definido - tanto no conteúdo quanto na estética - sobre as relações humanas, sentimentais e sexuais. E aborda a busca da felicidade plena nas coisas do coração e conseqüentemente a infelicidade que essa busca ocasiona. E narra as desventuras amorosas que um homem recém divorciado provoca no íntimo de três pessoas do sexo oposto. Gerando desconforto, confusão e insatisfação tanto nos sentimentos das mulheres como no seu próprio emocional.

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WOOD ALLEN REALIZA MAIS UMA OBRA-PRIMA

O novo filme de Wood Allen (roteiro e direção) tem como referência a mitologia grega. O título do filme refere-se à profetisa da desgraça Cassandra. Allen utiliza este conceito para transpor para o cinema uma verdadeira tragédia grega ao contar a história do embate de dois irmãos, que se amam, depois de cometerem um erro vital em suas vidas. Wood Allen concebeu mais um filme que pode ser considerado um clássico instantâneo.

Colin Farrell – se desconstruindo em cena com sua espetacular atuação – e Ewan MacGregor interpretam dois irmão que possuem seus empregos, mas estão sempre desejando mais da vida. Farrell interpreta um apostador compulsivo e inveterado. Já a personagem de McGregor ajuda o pai no restaurante da família e vive de aparências, como usar carros emprestados pelo irmão mecânico e fingir ser um homem de negócios para conquistar uma bela atriz em começo de carreira ( papel de Angela Stark). Quando a dupla precisa urgentemente de dinheiro por razões diferentes, recorrem a um tio milionário e sem escrúpulos que em troca pede-lhes um favor para escapar da prisão: cometer um assassinato. Está assim aberta a Caixa de Pandora para a desunião entre os irmãos o início de um fim trágico como em um Sonho de Cassandra.

A fotografia do filme reluz na telinha e Allen filma com tamanha maestria que acerta em cada detalhe da película como a trilha sonora. O seu roteiro ajudou na tamanha facilidade de sua direção perfeccionista. A narrativa flui exemplarmente. O SONHO DE CASSANDRA possui conteúdo profundo e formato perfeito. O longa é uma celebração aos grandes dramas de outrora já realizados pela sétima arte. Seus diálogos são pura ironia e inteligência. É um filme denso e arrebatador. Suas idiossincrasias remetem a várias reflexões e questionamentos.

O SONHO DE CASSANDRA aborda magnificamente a dor da consciência por um grave erro cometido; o enlouquecimento provocado pelo remorso; o vislumbramento que o dinheiro causa e suicídio. É um filme que narra a tragédia de dois irmãos que cada qual com sua motivação em ganhar muito dinheiro, envolvem-se em um crime contra um dos sete pecados capitais que, mesmo contrariados, cometem e acabam por sucumbir ao embate moral e letal que ambos travam pelas conseqüências que suas precipitadas e equivocadas ações provocaram.

P.S.: Este crítico de cinema deseja aos seus leitores um feliz Natal e um próspero 2009.

2008-12-16T10:44:00.000-08:00

Crítica: OS ESTRANHOS

EFICIENTE EXERCÍCIO DE TENSÃO PSICOLÓGICA

Filmes de suspense e terror são em sua maioria muito bem aceitos pelos espectadores. O público-alvo consiste nos adolescentes que de geração em geração são os principais consumidores destas produções (uma das especialidades de Hollywood). Neste OS ESTRANHOS o suspense se funde com o terror psicológico e seu resultado aceitável é devido ao clima sufocante e claustrofóbico que bate na tela e alguma originalidade narrativa. A angústia que Liv Tyler e Scott Speedman vivenciam acaba por contagiar os espectadores.

OS ESTRANHOS parte de um roteiro promissor e consegue êxito ao narrar a tensão e tormento psicológico que três estranhos delinqüentes provocam em um casal em conflito quanto ao interesse de firmarem compromisso de casamento. O mote acaba sendo bem delineado e eficazmente dirigido por Bryan Bertino. A narrativa flui e os calafrios e angústias que Liv Tyler e Scott Speedman passam - desde o momento que a campainha toca e uma menina pré-adolescente mascarada pergunta se Tamara se encontra na casa de campo (onde se desenvolve toda a ação) - acabam por fazer da película um eficiente exercício de tensão psicológica.

O filme faz parte de um grupo do gênero suspense que faz o acaso ser o fio-condutor de toda a trama. Tyler e Speedman estão no local errado e na hora errada. Os três estranhos do título desde o início estão sob o controle da situação. Mas desejam sadicamente manipular os dois protagonistas. Inconseqüentes e espertos fazem um interessante jogo de gato e rato com o casal principal e com isso a narrativa funciona bem. Esta essência de OS ESTRANHOS lembra a de HORAS DE DESESPERO (filme da década de 80 com Mickey Rourke). Neste filme a atmosfera era também de claustrofobia.

O longa possui uma estética acertada quanto aos elementos que fazem a narrativa funcionar. Bertino soube aproveitar cada detalhe sombrio para manter o interesse do espectador. O roteiro é fraco, mas o diretor acerta na idiossincrasia que bate na tela. O diferencial de OS ESTRANHOS para outros filmes do gênero é a afirmação de uma história tão plausível ou mais que um filme de um gênero sempre respeitado como o drama. Os bons valores éticos e morais estão cada vez mais sendo desprezados.

Mesmo sem ser brilhante (e realmente, não é) o longa se destaca por produzir vicissitudes originais: O rosto dos três assassinos nunca é mostrado e a razão de tamanho interesse do trio em causar pavor no casal de protagonistas principais é tão fútil quanto desprezível. Reflexo dos tempos atuais onde qualquer motivo gera uma atitude antagônica. Ocorrendo um típico caso de uma banalização da violência. O cinema reflete esta tendência sendo, inclusive, uma de suas peculiaridades.

OS ESTRANHOS possui uma atmosfera asfixiante. E narra horas de desespero de um casal apaixonado e indeciso em relação ao amor que sente um pelo outro, que inocentemente viram vítimas de um jogo de terror e manipulação psicológica. E depois de uma noite inteira de sofrimento e sentimento de incapacidade quanto aos momentos aterradores que passam a vivenciar, acabam de fato virando reféns de um trio que sem motivo algum resolve fazer perversidade somente para saciar seu desejo de sadismo e crueldade.

Crítica: A LISTA – VOCÊ ESTÁ LIVRE HOJE?

SUSPENSE ÓBVIO E SEM NOVIDADES

Ewan McGregor e Hugh Jackman são as estrelas deste apático e previsível A LISTA. Mesmo com a dupla no elenco percebe-se que o filme possui uma carência enorme de qualidades. Carências um tanto notórias evidenciadas pelas próprias atuações dos conhecidos atores. O longa apresenta uma falta de interesse enorme com o desenrolar da narrativa. O desempenho pífio do filme começa pelo fraco roteiro, passa pelas previsíveis reviravoltas e diálogos um tanto ridículos e finaliza com um clímax sem vigor. A direção de Marcel Langenegger é sem sombra de dúvida a maior responsável pelo fiasco que A LISTA acaba sendo.

Ewan Mcgregor vive um contador de empresa entediado com a sua rotina. Até que torna-se amigo de Hugh Jackman. Wyatt Bose (Jackman) finge uma amizade com segundas intenções. Intenções criminosas. Bose oferece a Jonathan Messer (McGregor) uma vida social mais ativa e plena. Seu jogo começa quando troca os celulares e finge viajar a negócios. Messer entra em um clube de sexo por telefone sem saber que na verdade está sendo manipulado. Seu tédio é trocado por noites de sexo com mulheres. Até o momento que Bose decide fazer Messer trocar o sonho pelo pesadelo.

A LISTA é previsível demais em suas reviravoltas e tedioso ao extremo em sua narrativa. O roteiro até que permitia a Langenegger algumas possibilidades de fazer o filme engrenar. Mas o equívoco começa com a falta de habilidade do diretor de fugir dos clichês e lugares-comuns. É perceptível com cinco minutos de antecedência cada virada na trama. Apesar de uns escassos bons momentos aqui e ali na história, A LISTA não passa autenticidade em sua estrutura narrativa.

A LISTA trabalha com a perspectiva de quem levará vantagem sobre o outro: um sujeito pacato ou um espertalhão e vigarista. E também, sobre a mudança de postura em relação ao estilo de vida e ainda, diante das dificuldades das relações humanas. Mas, a concepção de seu conteúdo e estética é amadorística. O desenrolar de todos estes assuntos acaba sendo reduzido a vicissitudes óbvias e a uma completa falta de credibilidade.

A personagem de McGregor acaba ao longo do filme se desacatando e tendo que fazer o que não deveria em função da extrema tensão que as ameaças e chantagens do escroque produzem em seu íntimo. Na tela acontece um duelo de espertezas que Messer nunca havia pensado em ter de enfrentar. Movido por amor, Messer acaba passando com louvor ao teste de resistência psicológica que a narrativa mostra a cada fotograma. Mas, A LISTA não aproveita este jogo de manipulações esboçado no roteiro e deixa de aprofundar no emocional de suas personagens.

A LISTA é monótono e medíocre. Mostra chantagem emocional, fraude e paixão à primeira-vista. E narra a tentativa de um homem solitário em sair da apatia social, sexual e sentimental. E ainda, mostra o amor entre co-chantagista e vítima que de lados opostos no jogo de interesses inicial acabam encontrando um no outro o alicerce para seus conflitos pessoais e o complemento que precisavam para suas antagônicas personalidades.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: QUEIME DEPOIS DE LER

2008-12-08T13:37:00.000-08:00

DRAMA COM UMA PITADA DE IRONIA CÔMICA

Os irmãos Joel e Ethan Coen continuam em forma quanto ao estilo narrativo de sua filmografia. Depois do susto que provocaram em OAMOR CUSTA CARO com o ator George Clooney – o predileto dos cineastas - e Catherine Zeta-Jones, vieram o inusitado MATADORES DE VELHINHA com Tom Hanks e enfim, o oscarizado ONDE OS FRACOS NÃO TEM VEZ com Tommy Lee Jones. O mais novo filme dos irmãos QUEIME DEPOIS DE LER mantém a ironia cômica presente em quase todos os seus trabalhos. A essência (cada vez mais amadurecida) agridoce fica evidente em cada fotograma.

John Malkovich interpreta um funcionário da CIA que perde o posto que ocupa devido a problemas com a bebida. Perde também, um disquete com informações em uma academia de ginástica onde trabalham Frances MacDormand e Brad Pitt. Os dois acabam por praticar chantagem ao exigirem dinheiro de Malkovich em troca da devolução do arquivo. George Clooney vive um mulherengo que transa com a personagem de Tilda Swinton, não por acaso, esposa de Malkovich.

QUEIME DEPOIS DE LER retrata toda uma época ao mostrar os pensamentos e atitudes de adultos na faixa dos quarenta anos de idade que vivem buscando algo a mais para suas vidas sentimental: MacDormand age diferentemente de sua normalidade após a dificultosa negociação do disquete perdido, somente para pagar cirurgias estéticas visando estar mais atraente; O caso amoroso de Swinton com Clooney passa uma imagem de que o adultério é algo bastante comum nos tempos atuais e por fim, a Internet com seus sites de relacionamento afirmam uma facilidade muito grande em encontrar alguém disponível, mas nem sempre a pessoa ideal. Assuntos que são reflexo da sociedade atual.

QUEIME DEPOIS DE LER possui uma narrativa bastante definida em seu conteúdo e estética. Não há uma sequer cena gratuita e todas são relevantes para o desenrolar da trama. Suas vissicitudes são cuidadosamente filmadas. A montagem é perfeita. As personagens se encontram na tela com uma exemplar sincronia. A trilha sonora é acertada. O seu resultado final é satisfatório devido à estilosa direção dos Coen. Que escreveram um roteiro interessante e fizeram uma obra sofisticada, cativante e instigante.

O filme não chega a ser excelente. Mas é um trabalho inovador e original. Suas personagens são estereotipadas. Mas assim, QUEIME DEPOIS DE LER conquista a simpatia e um envolvimento maior do público para com a trama. A narrativa flui com perfeição. Devido também, a duração na medida exata do longa e às ótimas atuações de quase todo o bom elenco. John Malkovich e Frances MacDormand são os destaques. Clooney sobreatuando destoa um pouco dos demais.

QUEIME DEPOIS DE LER é uma comédia dramática descontraída que aborda de forma sólida e com realismo uma sociedade totalmente mudada em relação aos seus valores morais e éticos; e o controle do governo sobre a vida das pessoas. Trata também de adultério; chantagem; paranóia; a nova visão do casamento; e os namoros que tem origem na Internet. E narra o entrelaçamento narrativo de cinco personagens que acabam desorientadas na mediocridade – quando não têm um destino pior - devido às atitudes erradas que tomaram.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: A CAÇADA

2008-12-02T11:20:00.001-08:00

CAÇADA MONÓTONA E ARRASTADA

Richard Gere é um ator de razoável eficácia diante das câmeras e já atuou em outro filme que retratava (como uma denúncia subliminar) um sistema corrupto. Em 1997 estrelou JUSTIÇA VERMELHA onde fazia um alerta quanto ao sistema de governo chinês em relação ao tratamento dado aos estrangeiros e à pena de morte por motivos vagos ocorridos naquele país. Como budista, Gere provavelmente resolveu participar do projeto devido à ocupação da China no Tibet (pátria do principal expoente do Budismo, o monge Dalai-Lama). Neste A CAÇADA volta ao filme denúncia ao trabalhar com a suposta ineficácia das autoridades responsáveis em relação à captura de líderes genocidas de guerra. O diretor e roteirista Richard Shepard foi buscar o texto na guerra nos Bálcãs, entre os muçulmanos e os sérvios. Trata-se na verdade de um conflito étnico.

Dois homens que fazem uma dupla em arriscadas coberturas para uma grande rede de televisão norte-americana em conflitos bélicos (o jornalista interpretado por Gere e o câmera vivido por Terrence Howard) são tão eficientes nas suas missões que ganham prêmios de excelência pelos seus trabalhos no desempenho de suas funções. Durante uma reportagem e no ar, Simon/Gere tem um surto e é demitido. Enquanto Simon passa por vários canais de televisão a cabo até ter que se endividar com agiotas para bancar suas próprias reportagens, Duck/Howard é promovido e passa a trabalhar em estúdio como operador-chefe de câmera. Assume um posto no estúdio da emissora e ganha regalias que sabe aproveitar. Até que, cinco anos depois, voltam a se encontrar e partem para uma busca a um temido foragido de guerra.

O roteiro razoável e a direção burocrática emperram o ritmo da trama. Arrastado e sem nenhuma cena de causar impacto e tampouco alguma originalidade. A CAÇADA possui uma narrativa monótona demais para um filme de ação e pouca intensidade nas situações tensas para um drama. O filme possui uma estrutura indefinida entre a sua definição de gênero. Gere e Howard atuam com certa determinação e contribuem para salvar o filme de um desastre total. A estética do filme é equivocada. Suas pequenas surpresas não provocam no telespectador algum grande interesse e ainda por cima, seu clímax é decepcionante.

A visão do diretor em relação aos jornalistas que fazem uma cobertura de guerra é perfeita. Sempre sagazes e astutos e com faro apurado para a notícia, correm riscos extremos durante o fogo cruzado diário que convivem diariamente durante o conflito. Mas o mote da película é absurdo: três jornalistas (desarmados e sem prática para tal desafio) em busca de um assassino rodeado por guarda-costas sanguinários. A motivação para tal tarefa, a princípio, o filme sugere ser financeira, mas na realidade é pessoal. Apesar de ser baseado em fatos reais, o diretor se deu ao luxo de fazer uma versão livre para o seu final. O filme assume, assim, um tom de fantasia em relação ao sucesso de suas personagens na empreitada.

Os conflitos de ordem étnica na Europa são intensos e dramáticos, provocando a ruptura de várias nações e, conseqüentemente a mudança de nome de cada país cujos habitantes não são completamente de uma mesma etnia. Estes países convivem sempre com a intolerância com relação à origem de cada um e passam os anos em uma conflituosa situação. Até a fragmentação, desmembramento e demarcação de territórios. Não sem antes haver muito derramamento de sangue. As nações que compunham a União Soviética eram de várias etnias e se emanciparam. Mesmo depois da fragmentação, a Geórgia e a Rússia – duas nações da antiga URSS - tiveram uma relação belicosa recentemente. A Geórgia não admitia que uma de suas etnias se emancipasse. Na antiga Iugoslávia – a ambientação deste A CAÇADA – os conflitos foram mais intensos, com a rusga bélica entre diversos povos como sérvios e croatas se duelando por questões étnico-nacionalistas. Vários jornalistas foram enviados para fazer a cobertura dos acontecimentos (o início, meio e fim de A CAÇADA).

A CAÇADA aborda (sempre resvalando na rotina e mesmice) coragem, perda amorosa, uma reputação abalada, apadrinhamento e obstinação ao narrar a trajetória de um jornalista famoso e destemido que acaba por entrar em declínio profissional e financeiro - após um fato ocorrido em Sarajevo -, mas que busca ao caçar o causador de seu infortúnio, além de vingança pessoal, a libertação de suas limitações e pressões que passou a exercer sobre si mesmo.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: HANCOCK

2008-11-29T10:43:00.000-08:00

DIVERSÃO COMERCIALMENTE EFICAZ

Will Smith e Charlize Theron estrelam esta ação Hollywoodiana com o mesmo talento que emprestaram a outros filmes. Smith amadureceu bastante como ator. Seu desempenho em À PROCURA DA FELICIDADE já indicava isso. Seu talento para o drama foi testado e aprovado. Nascido para atuar em comédias, Smith está completamente à vontade neste HANCOCK que abusa de sua verve cômica. Charlize Theron encantou o mundo com uma beleza ingênua e um talento maduro, já no início de sua carreira na segunda metade dos anos 90. Nesta película esbanja agora uma beleza madura e segue talentosa em seu ofício.

Hancock, o personagem, é um super-herói solitário e esquentado que vive praticamente à margem de uma sociedade que o despreza. Mesmo salvando vidas e agindo e praticando o bem, o herói às avessas quanto ao estilo de vida social e popularidade, combate criminosos como se estivesse praticando algum entretenimento qualquer. Sempre mal-vestido e sem ninguém para dialogar, recorre ao whisky para ocupar seu tempo. Até que, um dia, evita que Ray (Jason Bateman), um ideólogo descontextualizado com o mundo a sua volta – infelizmente - seja atropelado por um trem. Este detalhe conduz a trama a uma mudança narrativa.

Peter Berg (diretor) injeta a HANCOCK uma narrativa sempre ágil e eficiente. Aproveita bem os efeitos especiais e elabora um filme curto e descompromissado sobre a inversão dos padrões das HQ’s - gênero que tornou-se nesta década um filão já bastante explorado-. Inverte, de princípio, o conceito de um herói ao transformá-lo em uma pessoa totalmente avessa aos padrões estabelecidos no imaginário da população e na concepção dos autores que criam em suas pranchetas de desenho esses seres com poderes extraordinários. Agrada aos telespectadores o modo que Hancock encara o mundo e estão ali (até sua transformação – ajudado pelo relações públicas Ray – em um herói mais zeloso com a sua imagem) as cenas mais hilariantes do longa.

O filme apresenta em seu clímax uma correria injustificada. Mais dez minutos de duração e HANCOCK poderia ser uma obra mais bem acabada e definida. Além disso, Peter Berg peca por não explorar ao máximo as potencialidades psicológicas de suas personagens. Existe um esboço de conteúdo dramático quanto a este detalhe. A cena em que Will Smith chora ao lembrar que há 80 anos (?) sofreu um acidente e as seguintes (quando o filme torna-se mais denso) são tão profundas quanto um pires. Mas deixam evidente que no roteiro havia uma tendência de uma maior profundidade do emocional das personagens.

O clima de descontração do filme muda um pouco depois que a personagem de Theron mostra uma força descomunal e revela um segredo a Hancock. Quando o personagem heróico descobre sua verdadeira origem e finalidade no mundo, a trama ganha ares de maior seriedade. Embora nunca perca de todo o tom de deboche e irreverência que o filme transborda na telinha.

Há, desde suas cenas iniciais, um festival de efeitos visuais que funcionam bem na trama (apesar de empobrecer a narrativa), que dão um ritmo muito veloz ao filme. A película apresenta em decorrência desta tecnologia muitos vidros e paredes quebradas e diversos carros e edifícios destruídos. Apesar da implausibilidade de várias cenas e até mesmo do filme como um projeto de todo inverossímil, HANCOCK funciona.

Hancock e a personagem de Theron são seres que unidos se enfraquecem (paradoxo?) e têm em comum a mesma invulnerabilidade e imortalidade. Como todo super-herói, possuem sua marca e um calcanhar-de-aquiles. Sua fragilidade latente resume ao fato de serem dois personagens que se amam e não poderem ficar juntos. Contrariando o senso-comum, os dois devem estar o mais longe possível um do outro. A personagem de Theron consciente deste fato procura um mortal para casar. Quanto ao herói que dá título ao filme, sua missão é sempre salvar a humanidade de forma solitária. Sob um olhar filosófico a(s) característica(s) e ponto fraco do herói existem, isso está latente na tela. Mas, no mundo real, existem vários heróis que conhecemos e nem percebemos. Todos com sua marca diferencial e seu ponto vulnerável.

O filme trata de imortalidade, mudança de aparência e comportamento e ideologia fora dos padrões atuais de uma sociedade capitalista. E narra a saga de um ser imortal, que combate criminosos como se estivesse batendo papo com amigos, desleixado e consumidor de whisky, que depois de 80 anos (?) volta a se relacionar com alguém. Levando-o a uma radical postura pessoal e social. E descobre com uma convivência familiar, a resposta para suas dúvidas e a razão de sua existência.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: UM SEGREDO ENTRE NÓS

2008-11-21T10:44:00.000-08:00

DRAMALHÃO COM UMA NARRATIVA APRECIÁVEL

UM SEGREDO ENTRE NÓS é o tipo de filme que agrada o espectador por trabalhar com uma história que serve como lição de vida. Seu roteiro enfoca uma família classe média norte-americana, mas serve como referência para todos os grupos familiares da sociedade ocidental: monogâmica e patriarcal. O filme serve também – já em termos comerciais – para alavancar a carreira de Ryan Reynolds. Tendo a seu lado os veteranos atores Julia Roberts e Willem Dafoe, como alicerces para sua interpretação.

A trama gira em torno de uma família cujo patriarca (Willem Dafoe) é uma pessoa que exagera no tratamento que oferece aos seus. Ele exige de seu jovem filho uma capacidade muito grande de estudo e teoria para transformá-lo em um precoce escritor. Faz regras para todos que moram em sua casa – inclusive para a então pré-adolescente irmã de sua mãe -. E ainda, troca a conversa pela discussão com sua esposa (Julia Roberts). Estas cenas são, durante a projeção do longa, mostradas em flashbacks. O falecimento em um acidente de carro da personagem de Julia Roberts, anos depois, transforma a rotina de todos os membros da família. E alguns segredos que guardavam vêm à tona.

UM SEGREDO ENTRE NÓS trata com maturidade a formação da personalidade da personagem de Ryan Reynolds. Um homem que teve uma infância sofrida devido a repressão moral e física de seu pai. Mas que se transforma no catalisador de emoções de seus entes após o trágico fim de sua mãe. Acaba virando escritor – conforme desejo de seu pai – e um adulto equilibrado e sensato. Sua personalidade mantém a serenidade da família, não somente antes e após o funeral da mãe, como inclusive desde sempre.

O filme possui um roteiro esquemático, mas a direção de Dennis Lee faz a narrativa fluir. UM SEGREDO ENTRE NÓS é contemplativo e sensível. Sua estrutura é de um dramalhão profundo que jamais apela para cenas gratuitas. O choro copioso e sentido de Dafoe e Reynolds – cada qual em um determinado momento da película – revela o sentimento que a perda de um familiar causa nos seus. São cenas que jamais apelam para a pieguice, mas expressam o momento doloroso pelo qual as personagens do longa estão passando. As atuações de todo o elenco colaboram para o satisfatório resultado final do filme, com destaque absoluto para Willem Dafoe com uma interpretação soberba. O ritmo do filme é acertado. Sua montagem e estética lembram o estilo dos filmes europeus com suas peculiares imagens que valem mais que mil palavras.

A cena de amor entre Ryan Reynolds e sua esposa, a bela e sensual Carrie Ann-Moss, durante o funeral da personagem de Julia Roberts e exatamente durante o discurso de Dafoe em relação a sua finada mulher, revela uma tentativa acertada de Dennis Lee (diretor) de descontração na narrativa. Dennis Lee conta paulatinamente um drama familiar com todas as suas nuances e conflitos particulares de um grupo de pessoas que tem em seu líder, uma pessoa centralizadora, autoritária e prepotente. O grito de basta de apanhar de seu filho, ainda criança, e o adultério, já nos últimos tempos, de Julia Roberts com um crítico literário, afirmam que uma tirania não serve em lugar algum.

UM SEGREDO ENTRE NÓS aborda opressão, adultério, sexo proibido e serenidade em ocasiões adversas, além de uma relação balanceada de amor e ódio entre pai e filho. O filme narra com franqueza a formação e instauração de conflitos em um lar durante anos. Lugar onde deveria imperar a desarmonia, mas na realidade trata-se, devido ao equilíbrio e união dos seus membros, de um ambiente comum. E reafirma uma personalidade que tinha tudo para ser deformada em seus sentimentos e ações, mas que, na realidade, é o ponto de equilíbrio mais realçado entre todos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: ROMANCE

2008-11-17T11:01:00.000-08:00

FILOSOFIA EXCESSIVA E ESTILOS NARRATIVOS DISTINTOS

Guel Arraes é um diretor de talento reconhecido. Filmes como LISBELA E O PRISIONEIRO e O AUTO DA COMPADECIDA foram realizados sob a ótica da esperteza e do jogo de cintura de suas personagens. Essas películas são situadas no nordeste, com seus sotaques e peculiaridades da região. Seus filmes são uma síntese não somente do povo nordestino, como do brasileiro com seu lado flexível ao lidar com as situações mais inusitadas. Neste ROMANCE, Arraes coloca a mesma estrutura narrativa em seu terço final. Também situado naquela região do Brasil. Mas comete o equívoco de fazer uma película romântica sem passar credibilidade quanto a sua definição de gênero. ROMANCE mistura drama romântico com a estética cômica de sua obra.

Atriz (Letícia Sabatella) participa de um teste para a peça Tristão e Isolda que a personagem de Wagner Moura está montando. Consegue não somente o papel como o amor do autor/ator da peça. Passa então a contracenar diariamente (entre ensaios e apresentações) com Moura e vivenciar um idílio intenso com este. Um mal-entendido e o ciúme de seu par quanto ao fato de ter iniciado uma carreira em novela na televisão, separa o casal.

ROMANCE afirma o amor como uma forma intrínseca do ser humano de ser compreendido e correspondido para com seus sentimentos. Afirma que é sofrimento. O filme faz com algum sucesso um dicionário sobre o amor. E revela em diálogos profundos que: 1 - o casamento afunda a paixão; 2 – amar é sofrer e 3 – Mais vale aproveitar o romance que jamais senti-lo. Caso o diretor tivesse se focado neste romance com alguma química entre as personagens de Letícia Sabatella e Wagner Moura e não houvesse trocado o estilo de filmar, já pelo miolo, ao embate entre dois meios de comunicação tão diferentes entre si, que não mereciam do diretor uma abordagem antagônica e filosófica (televisão e teatro). O filme teria êxito em suas premissas. Fica a impressão de uma soberba filosófica, nem sempre bem aceitável.

O filme utiliza com alguma criatividade o texto clássico Tristão e Isolda em todo o desenrolar da narrativa. Mas nunca como referência definitiva, e sim como adaptação livre. Seu roteiro tem várias vertentes que Arraes não teve, por completo, o domínio sobre elas. Sua metade final mostra a formação, confirmação e desfecho de um quarteto amoroso. Formado por Sabatella, Moura, Andrea Beltrão e Vladimir Brichta. Detalhe que vai na contramão ao que ROMANCE esboçou ser em sua essência inicial. O filme esconde por trás de toda a profundidade filosófica de seus diálogos, um vazio narrativo.

Arraes sabe como poucos a arte de dirigir um filme, mas em ROMANCE pecou pela falta de definição em sua maneira de filmar. Flerta com o drama romântico e a comédia. Sempre deixando uma lacuna entre suas reais intenções e uma interrogação quanto ao que se propõe mostrar na tela. Comete algumas incoerências de estrutura em seu conteúdo e na composição de algumas cenas, comprometendo seu resultado final.

ROMANCE alfineta todo um círculo midiático. De atores a diretores dos meios de comunicação já citados lá em cima. E cria uma discussão entre o papel de cada veículo como arte e cultura. O filme lança ainda, um olhar mais atento sobre a paixão e o amor. Propondo uma saudável discussão sobre o principal assunto que aborda: se vale a pena sofrer por amor ou se amar e ser amado não causa sofrimento. Caso ROMANCE não tivesse mensagens em excesso e soubesse trabalhar com todas elas a contento seria um filme realmente interessante.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: NEM TUDO É O QUE PARECE

2008-11-10T14:10:00.001-08:00

TRATA COM VIGOR UM AMBIENTE BARRA-PESADA

O mesmo produtor de películas cultuadas pelas suas originalíssimas estéticas e conteúdos subversivos - leia JOGOS, TRAPAÇAS E DOIS CANOS FUMEGANTES e SNATCH – PORCOS E DIAMANTES, do diretor Guy Ritchie – realizou mais um filme onde o mote é o submundo do crime, mais precisamente, o tráfico de drogas. O diretor deste NEM TUDO É O QUE PARECE é Matthew Vaughn, um cineasta menos ousado que Guy Ritchie.

A trama começa com a personagem principal, interpretada pelo James Bond da vez, Daniel Craig, como um dos maiores responsáveis pelo esquema de transações ilegais com entorpecentes. Seus colegas possuem uma determinada função na “organização” e Craig deseja sair de cena. Contudo, uma ordem de seu superior desencadeia não somente sua permanência como gângster – pode ser qualificado como mafioso, também – como todo um processo de formação de um líder de negócios escusos. Seu estado psicológico acaba ficando abalado em um primeiro momento para em seguida ver fortalecer seu emocional devido às situações que acaba tendo que passar e assumir.

A narrativa do longa funciona bem, com muita movimentação e muita truculência, e sua estrutura básica é de um filme policial com o gênero ação. NEM TUDO É O QUE PARECE tenta aprofundar no psicológico de suas personagens. O resultado quanto a isso, não é completamente satisfatório, já que os atores não rendem o suficiente para tal. Inclusive o razoável ator Daniel Craig. O ponto forte do filme são as diversas cenas que esmiúçam o ambiente barra-pesada dos negócios ilegais. Temos aqui um realista documentário ficcional do ambiente sórdido e das relações (des) humanas entre os meliantes. Todos que estão ali são matadores e alvos. Vaughn consegue imprimir ritmo e agilidade a uma narrativa definida quanto a seu conteúdo e forma.

O roteiro do filme tem várias nuances que Vaughn soube explorar, principalmente a formação de um líder mafioso que passa por diversas situações estressantes e corre riscos para se tornar respeitado entre seus colegas. A personagem de Craig passa por uma verdadeira metamorfose para, sob pressão, conseguir chegar a tal “cargo”. Sua personagem não tem tempo, nem mesmo, para conseguir assimilar o seu primeiro crime letal. Seu arrependimento é logo suprimido pela tensão que volta a sentir ao continuar correndo risco de vida. Denotando uma verdadeira catarse emocional em seu íntimo. Elemento narrativo pouco aproveitado pelo diretor.

É um filme violento e tenso ao extremo. A narração em off feita pela personagem de Craig no início e no final da trama e conseqüentemente seu desfecho imprevisível e sensato realça um moralismo do diretor, tal como uma mensagem cifrada que, utilizando o popular ditado, diz claramente que: o crime não compensa. Todas as personagens que fazem de NEM TUDO É O QUE PARECE um filme com qualidades evidenciadas, visam e prezam somente o dinheiro em detrimento da vida de seus semelhantes. O vilipêndio pela vida humana é dolorosamente mostrado em suas vicissitudes narrativas.

NEM TUDO É O QUE PARECE é um filme vigoroso e tenso. Aborda ganância, corrupção moral, traições entre comparsas e assassinatos, em uma trama onde a brutalidade impera e narra começo, meio e fim da “carreira” de sua personagem central, que vai abruptamente se transformando em um ser mais perigoso, enganando e sendo enganado pelos seus. E que sonha em mudar de ramo e de estilo de vida ao lado de uma atraente moça, mas que sucumbe a sua própria vida errante.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: NA MIRA DO CHEFE

2008-11-06T09:53:00.000-08:00

TRABALHA BEM COM O ABSURDO E O IMPROVÁVEL

Com Colin Farrel (ator de películas de sucesso como POR UM FIO) e Ralph Fiennes (ator consagrado por seu imenso talento dramático evidenciado no longa SPIDER – SUA MENTE PODE DESTRUIR), e ainda contando no elenco com o correto Brendan Gleeson, esta comédia dramática inglesa atinge plenamente seu objetivo como um competente filme agridoce que trabalha de forma hilária com o absurdo e o improvável.

Dois matadores profissionais são designados para tirar umas férias – enquanto esperam a ordem de seu chefe (Ralph Fiennes) para realizarem um novo “trabalho” – na bonita cidade Belga de Bruges. Colin Farrel e Bredan Gleeson são os protagonistas principais da trama e os assassinos profissionais em questão. Durante a passagem da dupla na Bélgica, Farrel acaba se apaixonando por uma belíssima cidadã do país e se envolve em alguns conflitos com os habitantes da localidade.

NA MIRA DO CHEFE é um filme original, hilário e esquisito. Os atores não sabem exatamente como será o desfecho de uma história em que suas personagens atuam de forma esquizofrênica em cenas onde as situações resvalam na falta de um curioso bom-senso. Mas a narrativa do filme flui agradavelmente bem. Sua produção é requintada e suas atuações são excelentes e ainda, o filme tem como ponto forte seus diálogos desconexos e piadas que mostram uma genialidade imensa (incluindo suicídio de anões e a nacionalidade norte-americana).

O filme trata de situações que beiram a inverossimilhança e a implausibilidade, mas isto acaba por tornar o longa genuíno e autêntico. Acrescentando ao filme um diferencial há muito tempo não visto e causando impacto no espectador pelas irreverentes atuações e inusitadas situações. Suas personagens agem oscilando entre o sensato e o insensato, o normal e o insano, proporcionando um espetáculo brilhante em um filme cult.

NA MIRA DO CHEFE tem como referência os filmes do “gordo e o magro” com suas atuações nervosas e suas cenas que primam pela fuga do óbvio. Mesmo com todos os seus méritos, o filme não chega a ser uma obra-prima, mas o envolvimento dos atores é tão grande que em uma de suas crises de consciência, Farrell chora copiosamente mas sem derramar lágrimas – mostrando a descontração do ator em cena - por ter equivocadamente assassinado um menino durante uma missão.

É um filme que aborda racismo, suicídio, sentimento de culpa, uso de drogas, mudança de comportamento e princípios, ou a sua falta. NA MIRA DO CHEFE trabalha com os dois pólos antagônicos da essência humana (bondade e maldade) com muita criatividade e acerta com sua trama rocambolesca ao discursar sobre o encontro de dois assassinos com suas próprias consciências na bonita Bruges (onde toda a ação acontece), e a narrativa coloca-os em busca da redenção de seus erros e a compreensão de seus pecados.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: EVIDÊNCIAS DE UM CRIME

2008-11-03T11:48:00.001-08:00

EVIDÊNCIAS DE UMA REDENÇÃO

O novo filme do talentoso Samuel L. Jackson, este EVIDÊNCIAS DE UM CRIME trabalha com a surpresa, realçado por um roteiro bem acabado, que faz em cada cena aparecer uma nova evidência na trama. O longa mantém o suspense até o fim sobre um nebuloso caso de um assassinato. Seu desfecho surpreendente poderia ser um pouco melhor – e mesmo, todo o filme -, caso o elenco tivesse atuações menos preguiçosas, leia o próprio Jackson; Ed Harris e a atriz mais bonita de Hollywood atualmente, Eva Mendes.

O mote gira em torno de Tom Carver ( Jackson ), um policial aposentado que trabalha atualmente em uma empresa que faz a limpeza da sujeira de pessoas que morrem em casa, deixando sangue espalhado, citando exemplo. Carver/Jackson é chamado em uma típica armadilha, para remover os restos que ficaram de um assassinato em uma propriedade. É o começo de uma série de manipulações que Renny Harlin (diretor) monta no seu esquematizado quebra-cabeças, em um eficiente trabalho de direção. Embora não tenha conseguido o mesmo resultado com seus atores.

O filme é um autêntico drama policial, com direito a abordagens mais aprofundadas de corrupção, suborno, deslealdade, adultério e redenção. A intenção do longa é fazer o telespectador descobrir o autor do assassinato do marido de Ann Norcut (Eva Mendes), conseguindo produzir efeito em sua intenção. A película tem uma montagem frenética, com diálogos contundentes, que ajudam na construção de uma história plausível e interessante sobre um universo perverso, de chantagens e corrupções, onde um adultério e seu conseqüente aborto são o estopim para um filme envolvente e qualificado.

EVIDÊNCIAS DE UM CRIME é um filme forte, tenso e dramático na medida exata, com todas as suas personagens tendo algo a esconder, e discursa sobre um homem (Jackson) cujo passado é obscuro (trabalhava com negócios escusos), apaixonado e dedicado a sua filha, em franca redenção dos seus erros de outrora ao solucionar um crime que tudo indica ser passional.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

CRÍTICA: EU SOU A LENDA

2008-10-28T14:01:00.000-07:00

FUTURO CATASTRÓFICO E DESANIMADOR PARA A HUMANIDADE

Este EU SOU A LENDA interpretado por Will Smith, corrobora com a teoria do fim dos tempos, da humanidade em geral, apregoada por diversos religiosos. A película de Francis Lawrence ( diretor ) é bem sombria em relação a este tema. M. Night Shyamalan ( diretor de O SEXTO SENTIDO E A VILA ), aborda este tema no também recente e ótimo FIM DOS TEMPOS, com Mark Walbergh.

O roteiro mostra a dimensão que a propagação de um vírus letal em 2009, faz com ( quase ) todos os habitantes da face da terra, dizimando a maior parte dos seres vivos e deixando uma boa parte contaminada. Uma das personagens que é imune ao tal vírus é o oficial do exército americano, Robert Neville ( Smith ). Francis Lawrence mostra em flashbacks os acontecimentos que levaram Neville a viver isolado e sem comunicação com exatamente ninguém por três anos. A ação é ambientada em 2012, em uma Nova Yorque sem nenhum ser que não tenha sido contaminado, somente o sobrevivente Neville. Os habitantes da cidade que ali estão, viraram zumbis.

O filme é uma mistura desinteressante e sem brilho, mas não completamente descartável, de uma catástrofe que envolve os seres humanos, como conseqüência da irresponsabilidade de atitudes de pessoas renomadas que tentam fazer as coisas mudarem de sentido, sem permissão do Criador. Lawrence tenta colocar algumas boas cenas, e injetar algum ânimo à película, porém, seu resultado fica aquém das expectativas, não conseguindo fugir dos clichês. Embora não seja de todo ruim e tendo como grande mérito, Will Smith carregando praticamente sozinho o filme nas costas ( em mais da metade da projeção, a sua personagem apenas tem sua cadela para pronunciar palavras ), o longa sucumbe, parecendo por vezes, mais um filme B como os vário longas envolvendo criaturas que mesmo não tendo pulsação cardíaca continuam vivas ( A NOITE DOS MORTOS-VIVOS E MADRUGADA DOS MORTOS, citando exemplos ).

EU SOU A LENDA é sombrio e pouco original. É na verdade, uma mistura equivocada de ficção científica e terror, onde seu protagonista passa por um processo doloroso de enlouquecimento, após perder sua filha e esposa e ficar isolado, durante alguns anos, porém obcecado em ser uma espécie de salvador, com suas científicas experiências para curar aqueles que viraram mortos-vivos. Sua personagem vê em Bob Marley ( cantor jamaicano de Reggae ), um agente motivacional para continuar sua árdua missão. Embora tenha perdido a fé, Neville acredita no significado da palavra paz e vira um messias para os poucos sobreviventes não contaminados.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: BUSCA IMPLACÁVEL

2008-10-25T09:12:00.000-07:00

BUSCA OBSTINADA E MOVIDA POR AMOR

Este longa dirigido por Pierre Morel pode ser considerado O PROFISSIONAL ( filme de 1994, dirigido por Luc Besson, com Jean Renno e a estreante Nathalie Portman no elenco ) desta década. Basta dar uma olhada na ficha técnica e encontraremos como roteirista e produtor do filme o diretor Besson que fez algum sucesso nos anos 90. Mas sob uma observação mais atenta vemos várias semelhanças entre BUSCA IMPLACÁVEL e a película lançada nos cinemas cariocas em 1995.

Liam Neeson interpreta um agente do governo americano aposentado e separado da mulher com quem teve uma filha ( papel de Maggie Grace ). Enquanto tenta ocupar seu tempo com trabalhos esporádicos como ser segurança de uma cantora, procura se aproximar de sua filha – sua profissão não deixava muito tempo livre para que pudesse curtir o crescimento da menina -. Durante uma viagem para Paris na França, Kim/Grace acaba sendo raptada por imigrantes ilegais albaneses juntamente com sua amiga. Estes meliantes praticam tráfico de mulheres. O esquema baseia na abordagem de moças sensuais para raptá-las, fazerem-nas tomar drogas e prostituí-las. A perversidade e ganância são tamanha que fazem das meninas virgens, mercadoria para venda com valores altíssimos.

BUSCA IMPLACÁVEL é bem produzido, bem escrito e bem dirigido. Até o miolo sua trama mostra que Bryan/Neeson tem a vontade de ser mais unido a sua filha e a narrativa do filme é definida quanto ao modelo que Morel aborda. O filme é cru e seu resultado é cinema envolvente em estado bruto. O mote é mostrar o apego que Bryan tem pela menina e sua dificuldade em se divertir devido a distância de afeto entre os dois. Durante o aniversário de 17 anos de Kim fica evidente a avenida que os separa emocionalmente. O longa possui elementos dramáticos bem realçados por Morel. Da metade até o clímax o filme se torna um eletrizante thriller com direito a muito tiroteio, explosões e perseguições com um ritmo frenético.

Durante uma chamada de celular, o imprevisto acontece e Bryan parte então com um misto de revolta e preocupação e ainda com muita meticulosidade e determinação em busca de sua filha. A personagem de Neeson tem desde o momento inicial de seu dilema aproximadamente 96 horas para encontrar Kim ou nunca mais voltar a vê-la. Apesar de toda brutalidade vista na tela – a personagem de Neeson fica cada vez mais indignada e mortal para com os cruéis albaneses – o filme trata de amor. Um amor incondicional de um pai zeloso para com sua menina adolescente.

As vicissitudes do longa são perfeitas, devido a sua extraordinária montagem final. A fotografia em tom escuro salta aos olhos e evidencia um cuidado da produção. As idiossincrasias que BUSCA IMPLACÁVEL provoca no espectador são resultado da eficiente direção de Morel e afloram emoções como angústia e cumplicidade do público para com o drama vivenciado por Bryan e Kim. Dinâmico e tenso, BUSCA IMPLACÁVEL conta ainda com uma atuação exemplar de seu protagonista principal ( o talentoso Liam Neeson ).

BUSCA IMPLACÁVEL trata primorosamente de persistência e obstinação de um homem capaz de fazer o possível e o impossível para resgatar sua amada e frágil filha, de um destino impiedoso e desalentador que teria nas mãos de maldosos e cruéis seres humanos ( ? ), usando as técnicas que aprendeu durante anos de trabalho em missões arriscadas, matando a ermo e descontroladamente seus antagonistas devido a dramática situação, mas tendo uma aceitável justificativa para isso. E ainda, correndo contra o tempo, mas agindo de acordo com o ritmo de seu coração. Acaba sendo recompensado com o êxito de sua missão e a reaproximação definitiva da pessoa que mais ama no mundo.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: CASHBACK

2008-10-23T09:56:00.000-07:00

TRANSITA ENTRE A REALIDADE E A FANTASIA

CASHBACK é um filme que traz muita originalidade ao cinema. Seu diretor Sean Ellis ( também escreveu o roteiro ) concebeu uma obra que prima por traduzir a beleza existente no mundo e o tempo que devemos aproveitar para apreciá-la. Sob um olhar mais atento sobre a película nota-se o cuidado artístico principalmente do diretor em realizar um trabalho estiloso em todos os aspectos.

Ben Willis/Sean Biggestaff um artista jovem rompe com sua namorada Suzy/Michelle Ryan e passa a ficar insone durante vários dias pensando no romance que terminou. Para ocupar seu tempo passa a ler livros e, pensando também em ganhar dinheiro, consegue emprego no horário noturno em um supermercado. Mesmo sendo um jovem lacônico consegue entrosamento satisfatório com seus novos colegas de trabalho e depois de algum tempo volta a namorar com uma bela funcionária ( Emilia Fox ) de seu emprego.

O longa busca com seu surrealismo lírico exaltar a beleza do corpo feminino e não somente, exalta a beleza das coisas que giram ao redor do universo das mulheres. A película aborda com sinceridade ( em flashbacks ) a descoberta da sexualidade masculina através do nu do sexo frágil. CASHBACK transita poeticamente com a realidade e a fantasia. O aspecto surreal da trama mostra a capacidade que Willis tem em paralisar o tempo. Mas essa abordagem além de funcionar bem na tela serve para deixar uma mensagem sobre apreciar cada segundo da vida. O filme é lírico demais para ser considerado machista, mas a caracterização de suas personagens e a concepção de suas cenas e diálogos tratam do universo masculino.

CASHBACK narra com muita competência e criatividade o amor entre os adolescentes, e possui um vigor narrativo muito forte. Seus diálogos são maduros e a narração em off feita pelo ator Biggestaff traduz um virtuosístico exercício filosófico. Sua fotografia realça ainda mais a beleza de suas cenas. Sua narrativa flui delicadamente e duas cenas são simplesmente antológicas: os gritos e palavrões de indignação das duas moças que namoram – uma em cada momento - a personagem principal são mostrados em câmera lenta e substituídos por música de peça teatral de ópera.

Há, apesar de todo o cuidado tanto de conteúdo como estético em CASHBACK, cenas descartáveis principalmente as que envolvem seus colegas de trabalho. Um dos erros do de Sean Ellis foi colocar as personagens secundárias estereotipadas como o praticante de esportes radicais, o suposto lutador de Kung Fu e o gerente sem-graça do estabelecimento. Quando estas personagens aparecem em cena acontece uma perda de qualidade no longa. Estas cenas sequer são engraçadas.

CASHBACK aborda com maestria relacionamentos amorosos, solidão, assédio sexual, descoberta da sexualidade masculina, ciúme, insônia, lascividade feminina e a formação sexual dos homens. A película sintetiza o universo de um artista com talento para encontrar poesia no universo feminino, aprendendo a aproveitar cada segundo de sua existência ao vivenciar um momento conflituoso em sua vida sentimental, e que adquire – de forma surreal - a habilidade para paralisar o tempo. Passando assim, a valorizar e usufruir deste dom e que ainda desde menino sabe apreciar a imagem traduzida em poesia da nudez das mulheres, e buscando pacientemente encontrar sua maturidade sentimental, profissional e comportamental.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: TUDO ACONTECE EM ELIZABETHTOWN

2008-10-18T16:48:00.000-07:00

FALTA UM POUCO MAIS DE DRAMATICIDADE

Com muita originalidade e com um texto excelente, escrito pelo próprio diretor Cameron Crowe, TUDO ACONTECE EM ELIZABETHTOWN é em sua essência uma comédia dramática temperado com um romance inesquecível entre as personagens de Orlando Bloom e Kirsten Dunst. Como diretor Crowe fez um filme originalíssimo mas que peca por não injetar um pouco mais de dramaticidade a uma trama que necessitava ser um pouco mais complexa em sua estrutura narrativa.

Depois de receber quase que simultaneamente duas notícias muito ruins ( perdeu o emprego devido a um erro que cometeu em sua profissão e o falecimento de seu pai ), Drew Baylor a personagem de Orlando Bloom viaja para enterrar o pai depois de quase cometer suicídio e encontra já na ida para uma cidade pequena dos Estados Unidos ( Elizabethtown ) uma aeromoça que apaixona-se por ele imediatamente e revê vários de seus familiares residentes na pacata cidade.

A trama gira em torno de Drew/Bloom que passa durante a viagem por diversas situações que revigoram seu estado de espírito abalado. Uma pena o ator Orlando Bloom não conseguir ter uma atuação digna do papel a que lhe foi confiado. Bloom aparece em quase todas as cenas do filme e sempre atuando de forma impassível quanto aos fatos e as pessoas que o circundam. Talvez a falta de exigência de Crowe em relação aos conflitos que surgem mesmo que esporadicamente na trama tenha deixado o ator sem muito compromisso com sua interpretação.

A bela fotografia e os interessantes diálogos e, principalmente, a atuação despojada,
encantadora e alegre da belíssima Kirsten Dunst fazem de TUDO ACONTECE EM ELIZABETHTOWN um filme alegre e entusiasmante. Seu clímax é simplesmente memorável: durante sua viagem de volta para casa, Drew passa a contar como guia um mapa com fotos e cd’s elaborados pela apaixonante e apaixonada Claire/Dunst levando a personagem de Orlando Bloom por um atalho para ultrapassar os seus dilemas com alegria e a ser direcionado ao caminho de seu palpitante coração feminino.

É um filme que trata de dor, mas também de reparação emocional através da celebração da união familiar e de uma alentadora paixão com a qual Claire com sua jovialidade e
felicidade motiva Drew a superar e até sair recompensado no momento mais difícil pelo qual vivencia. Claire além de ser uma moça extrovertida é também um doce como ser humano e acaba ajudando incrivelmente um desmoralizado ( tanto profissionalmente como na vida pessoal e sentimental ) um jovem que precisa seguir em frente e tocar sua vida e também deixar de lado idéias negativas. O romance entre os dois traz um frescor à narrativa.

O filme trata com muita dignidade, mas sem um maior aprofundamento dramático de suas situações e psicológico de suas personagens, a história de um jovem que vive um carrossel de emoções ao sofrer alguns golpes indigestos do destino e rever os parentes esquecidos, e ainda, ao encontrar uma moça que nutre para consigo sentimentos sinceros de amor e compreensão em uma verdadeira jornada de superação de seu estado psicológico abalado e ser conduzido para uma mudança completa e satisfatória de estilo de vida.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: AS DUAS FACES DA LEI

2008-10-16T16:19:00.000-07:00

AS DUAS FACES DE UM CLÍMAX

Robert de Niro e Al Pacino estrelam este AS DUAS FACES DA LEI mostrando uma falta de empatia muito grande para com o público. Aliás, tanto De Niro como Pacino ( principalmente o primeiro ) estão sendo repetitivos em suas atuações. Al Pacino está desde o excelente INSÔNIA com Robin Williams, sobre-atuando – sempre com papéis semelhantes em seus filmes, desde então -. Já Robert De Niro virou um pastiche de si mesmo em seus novos papéis, já há algum tempo.

A história do longa gira em torno de dois investigadores da polícia, juntos como parceiros há trinta anos, que comentem um erro ao tentar pegar em flagrante um criminoso. Submetem-se então a um inquérito administrativo e têm que estar sob os cuidados de um psicólogo. Seu superior imediato interpretado por Brian Dennehy deseja que ambos se aposentem. Mas a dupla começa a trabalhar em um caso de homicídios em série, que acaba por conduzir os dois ao inesperado.

AS DUAS FACES DA LEI é um filme cujo roteiro conduz o espectador a pistas falsas. A direção de Jon Avnet não consegue lidar bem com as manipulações do texto e as fracas atuações de sua dupla de protagonistas principal só aumenta a fragilidade de uma narrativa presunçosa e pretensiosa em demasia. O seu desfecho pode até surpreender – daí o longa não ser uma bomba -, mas as cenas que seguem a seu apogeu são tolas e desnecessárias. Essa dupla face de um final de filme faz afirmar que trata-se mesmo de um longa que cai na banalidade com muita facilidade.

O filme trata de um tema batido ( um matador em série ) mas com o incrível engano de tentar ser original. Suas cenas não passam a credibilidade necessária para um bom suspense policial, nem tão pouco suas atuações ( com exceção de Carla Gugino ) e ainda a direção pífia de Jon Avnet. Basta um olhar mais atento para perceber que a trama contém excessos e uma construção de personagens muito vazia. De novidade talvez a personagem de Carla Gugino, uma perita criminal que transa com De Niro e a personagem de John Leguizamo como uma ninfomaníaca inveterada.

AS DUAS FACES DA LEI mostra em toda sua projeção uma falta de vigor narrativo quanto a sua própria idiossincrasia. A tentativa forçada de fazer a personagem de De Niro parecer culpada é um disfarce para encobrir sua falta de conteúdo e o resultado é um filme frágil em sua essência. A surpresa em seu final quanto à identidade do verdadeiro assassino se pode causar um resultado atraente para o público, causa também uma decepção em suas cenas seguintes, e até chegar lá, o longa induz forçosamente o espectador a conclusões tanto equivocadas como rasteiras.

O filme trata de paranóia, amizade, sexo sem compromisso, decepção, gosto pela “arte” de matar e sensação de impunidade. Todos estes elementos são tratados sem muito compromisso por Avnet. AS DUAS FACES DA LEI mostra um homem que escondido sob o seu distintivo e sua arma, passa insanamente a cometer crimes deixando poemas junto aos cadáveres, com um incrível menosprezo pela vida de seus semelhantes, pela sua profissão, por seu parceiro e por si mesmo.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: O CONTRATO

2008-10-13T17:20:00.000-07:00

RESVALA NA ROTINA E MESMICE

Contanto com um roteiro até atraente, mas com uma direção pífia e equivocada – leia Bruce Beresford – este O CONTRATO estrelado por Morgan Freeman e John Cusack mantém em sua essência uma certa falta de personalidade tanto narrativa quanto de definição entre gêneros em toda a sua duração ( um pouco mais de 90 minutos ). O longa mesmo com alguma ação e muitos tiros disparados é arrastado.

A história mostra Ray Kenne ( John Cusack ) um pai dedicado a seu filho Chris ( Jamie Anderson ) que percebendo que a perda de sua mulher e mãe do rapaz está afetando a vida deste, decide acampar para haver uma maior aproximação entre ambos. Encontra então um grupo de mal-feitores que tem seu líder sob custódia da polícia federal americana ( Morgan Freeman ) pondo em prática justamente um plano de fuga. Kenne passa então contra a sua vontade a ter sob seu controle o chefão Carden/Freeman, passando então a correr riscos imensos.

O texto ( mal-aproveitado ) deveria propiciar ao telespectador uma relação profunda que se desenvolve entre o incorrigível Carden e o obstinado Kenne. Mas a fraca direção não esmiúça e nem chega perto de aproveitar os momentos de conflito psicológico que o roteiro exige. Os conflitos de relacionamento de O CONTRATO são todos sub-aproveitados. Resta a bela paisagem que inclui muito verde e uma montanha.

O CONTRATO é indefinido quanto a suas intenções de gênero. Lembra um drama com cenas de ação e um thriller com cenas dramáticas, mas acaba mesmo não sendo uma coisa nem outra. As atuações de Cusack e Freeman são preguiçosas e acabam por fazer do longa um produto pífio e desinteressante que desaba com suas cenas rotineiras e uma mesmice sem fim. Falta ao filme uma maior pujança narrativa e um melhor aproveitamento do que poderia ser ao menos um bom thriller psicológico. O que ficou é apenas um esboço.

Uma situação de estresse muito forte pode modificar uma pessoa e torná-la mais aguerrida em relação aos seus bons interesses e mais sentimental com aqueles que tanto precisam dela, bem como com aqueles que foram importantes e auxiliaram durante a empreitada - seja de qual tipo for - dramática. A pessoa torna-se mais humana para com seus semelhantes e também mais compreensiva.

O CONTRATO trata de lealdade, negócios escusos, cumplicidade e gratidão, mas sua fragilidade narrativa não atrai em momento algum o telespectador para uma história rasa de um homem que passa a custodiar um foragido da lei, e que após vivenciar uma complicada aventura na floresta, reconquista a confiança do filho e a amizade insuspeita de seu momentaneamente prisioneiro, tendo passado com equilíbrio por momentos tensos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: NOITES DE TORMENTA

2008-10-09T17:15:00.000-07:00

CHAMAS QUE ACENDEM E APAGAM

NOITES DE TORMENTA apresenta uma história de amor bonita e sensível e embora possua em sua narrativa diversos clichês e uma certa burocracia na condução de sua trama, o roteiro é muito instigante e suscita emoções justificadas no espectador. Mesmo o diretor do longa, George C. Wolf, tendo feito um trabalho certinho demais, o filme é atraente devido as suas idiossincrasias e a uma atuação perfeita de Diane Lane.

A personagem de Richard Gere, um cirurgião plástico que está sendo processado por um suposto erro médico, aluga um quarto em uma casa de praia transformada em pousada e encontra como hospedeira uma mulher dedicada aos dois filhos que foi traída e abandonada pelo marido. O ambiente propicia o início de um belo romance que termina precocemente de forma trágica.

Mesmo contando com uma direção burocrática, porém correta, que não aproveita ao máximo todas as nuances do texto, fato evidenciado por algumas curtas cenas onde deveria haver mais fotogramas, o filme não deixa de emocionar, mesmo com alguma economia em seu formato. Ainda assim, o longa tem uma narrativa que flui bem e que evita a monotonia e não desaba na pieguice. O clima da aconchegante casa/pousada com vista para o mar evidencia uma certa semelhança com os grandes dramas românticos do passado.

A construção das personagens é ótima e os diálogos perfeitos. A condução definida da trama faz de NOITES DE TORMENTA um filme lacrimogêneo e cativante. Sua estrutura é quadrada, mas a sobriedade e seriedade da história fazem seu resultado final ser plenamente satisfatório. O longa não é nenhuma obra-prima, mas também não é nenhum fracasso. Caso fosse melhor aproveitado em certos momentos importantes da narrativa NOITES DE TORMENTA poderia chegar a ser primoroso.

É um filme que trata de uma chama de vida, uma pulsão que acende nos protagonistas principais, devido ao romance que celebra para ambos um recomeço, uma nova expectativa de vida e uma valorização de suas auto-estimas que um impõe ao outro. A película confirma a teoria que uma nova paixão, um novo amor sincero faz uma metamorfose no ser amado e no ser que ama. Quando ocorre os dois sentimentos para uma pessoa, acontece o êxtase e triunfo do sentimento mais puro que o ser humano é capaz de sentir: a plenitude do amor.

NOITES DE TORMENTA apresenta adultério, rebeldia juvenil e dedicação de mãe. Mas é um filme que define essencialmente o significado do amor ao contar uma história de uma paixão avassaladora entre um casal de meia-idade, separados e com filhos que são movidos para um estado de felicidade extrema devido à perfeita relação romântica que desenvolvem entre si, mexendo bruscamente e edificantemente com ambos, como uma chama que acende e que devido a um imprevisto do destino se apaga.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: REFÉM

2008-10-06T16:56:00.001-07:00

INDEFINIDO QUANTO A SUA PROPOSTA

Há filmes que misturam elementos de outro longas e conseguem ser eficazes e originais como o recente NÚMERO 23 onde um enlouquecido Jim Carrey comete um crime e anos mais tarde precisa acertar contas com este erro do passado, muito semelhante a CORAÇÃO SATÂNICO em que vemos Mickey Rourke tento que enfrentar a própria criatura do inferno devido a um acordo feito também em seu passado.

Então temos este REFÉM, uma mistura errônea e excessiva de dois grandes filmes do passado: HORAS DE DESESPERO com Mickey Rourke, pela tensão de uma família que vê sua casa ser invadida por estranhos ensandecidos e com O NEGOCIADOR com Kevin Spacey e Samuel L. Jackson, pela função extremamente tensa que a personagem principal de REFÉM exerce.

Tanto roteiro quanto a direção de REFÉM pecam pelo excesso de uma suposta tensão que mais revela suas fragilidades que coloca pavor no telespectador, expondo, isso sim, ser um filme pretensioso demais em suas intenções . As interpretações do elenco são tão primárias – com exceção do tarimbado ator e estrela única da película Bruce Willis - que não passam a menor credibilidade quanto à veracidade que deveria provocar um filme que trata sobre vidas correndo perigo.

O longa não apresenta uma narrativa definida e nem mesmo quanto a sua definição de gênero: ora é um thriller, ora é um suspense, ora é um terror B. Em todos os gêneros que aborda REFÉM nunca alcança o devido êxito. Seus diálogos são rasos e não há em suas cenas um aprofundamento psicológico das personagens e pior, falta em alguns momentos coerência quanto as suas situações.

REFÉM resvala em alguns assuntos sem causar interesse em nenhum deles: esquemas ilícitos, gratidão, psicopatia e amor à função de salvar vidas por um fio. O longa trata de pessoas, sejam vítimas ou algozes, que passam horas de desespero para uma finalidade nula. A história da humanidade sempre foi recheada de brutalidade e sangue. A violência vista na tela é o reflexo deste instinto primário que o ser humano insiste em utilizar.

O filme é monotemático e pífio e aborda fundamentalmente um homem em franco reencontro com seu erro do passado ( falhou como negociador no início da trama ), sob um forte dilema e uma aterradora tensão ( sua família corre riscos ), buscando através de seu incondicional amor à sua profissão, seus semelhantes e seus entes, uma redenção com sua própria consciência.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: NEM POR CIMA DO MEU CADÁVER

2008-10-04T10:10:00.000-07:00

ESQUEMÁTICO E SEM ORIGINALIDADE

Esta comédia romântica NEM POR CIMA DO MEU CADÁVER é mais um típico produto de Hollywood, com nomes conhecidos em seu elenco e uma produção requintada. Mas tanto roteiro quanto a direção de Jeff Lowell não acrescentam nada de novo a vasta lista de filmes do gênero. É uma película vazia em seu conteúdo e que leva muitos espectadores ao cinema devido ao costume que temos em consumir qualquer produto que venha embalado da indústria americana.

A história inicia no dia do casamento entre Kate ( Eva Longoria Parker ) e Henry ( Paul Rudd ) que acabam por não dizer sim, um ao outro, pela desastrada morte da noiva. Aproximadamente um ano depois um cético Henry vai conversar com uma médium ( Lake Bell ) tentando receber uma mensagem de sua finada noiva, começando neste momento uma nova história de amor para a personagem de Rudd.

O longa apresenta personagens estereotipados e atores sem talento ( Paul Rudd lidera um elenco sem brilho ). A película é recheada de piadas, algumas até engraçadas, os ( d ) efeitos visuais são o único diferencial dos demais filmes do gênero. Mas falta empatia ao casal de protagonistas principal ( Rudd e Bell ) e um conteúdo mais aprofundado. O filme é raso demais até mesmo para uma comédia. A ajuda da personagem de Lindsay Sloane agindo como um cupido, que acerta o alvo sem mirar direito, para ajudar Henry a sair da depressão é um atestado de que às vezes precisamos de ajuda para resolver nossos problemas psicológicos.

NEM POR CIMA DO MEU CADÁVER utiliza um dos principais atrativos de GHOST – DO OUTRO LADO DA VIDA, a mediunidade como forma de provocar risos. Sem aprofundar no tema sobre pessoas que tem contato com espíritos do além, a narrativa segue sem maiores atrativos e interesses. Mesmo sendo um filme descompromissado
para com assuntos mais revelantes, o longa entretém durante um pouco mais de uma hora e meia e só. A narrativa esquemática não permite ao longa um maior envolvimento do espectador para a ação que se passa na tela.

O filme aborda com superficialidade a vida depois da morte e o caminho que todos temos que seguir nesta vida. Não há no filme ninguém ruim de coração entre vivos e espíritos e sim, personagens que vivem à base de pequenas mentiras para alcançar o objetivo que seus corações manda. São personagens que tentam apenas ser felizes sem atrapalhar seus semelhantes. A única exceção fica por conta da personagem de Longoria Parker que mesmo dando um bocado de trabalho para evitar o romance entre o casal Henry e Ashley, é levada a fazer isso por sua própria eloqüência e maneira mandona de ser. Jason Biggs interpreta um ajudante de Bufê que finge ser gay somente para estar ao lado de sua amada Ashley ( Bell ). Mentiras que acabam por permear todo o filme.

O filme trata sem grandes inovações e sem muito interesse o relacionamento de um casal sem química na telona, que batalha um bocado e sofre um pouco para conseguir chegar ao altar e sacramentar um casamento que indicava possível desde a primeira vez em que os dois se entreolharam. Típico caso de amor à primeira vista.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: ZANDALEE – UMA MULHER PARA DOIS

2008-10-02T10:44:00.000-07:00

ADULTÉRIO INCONSEQÜENTE

O cinema é visto há muito tempo como uma forma de fugir dos problemas do cotidiano, conhecido como escapismo. Mas na realidade é um reflexo do comportamento humano que vemos na tela. Um filme repete toda forma de atitudes, ações e modo de pensar das pessoas. Seja um filme sobre heróis em quadrinhos, seja em uma comédia, ou até mesmo no mais bizarro filme do gênero terror, a película trata sobre gente e seus medos, seus conflitos, seus dilemas e sua felicidade.

Este longa dirigido por Sam Pillsbury faz uma reflexão profunda sobre o casamento ao narrar com competência um adultério e as derivações que são realizadas sobre este desvio de conduta que um dos cônjuges insiste em realizar. É um motivo óbvio para separação. A infidelidade conjugal é na verdade uma catastrófica desilusão para o ( a ) companheiro ( a ) traído ( a ), quando o amor é unilateral.

O mote remete ao casal Zandalee ( Erika Anderson ) e Thierry ( Judge Reinhold ) que passam por uma crise de relacionamento devido ao bloqueio poético e principalmente sexual de Thierry. A personagem de Erika Anderson não aceita e sobretudo não compreende a momentânea e passageira queda de produção do marido e insatisfeita no sexo é conduzida ao adultério que provoca conseqüências trágicas para ambos. Nicolas Cage é o escroque que acaba por arruinar o casamento.

As atuações são espontâneas com destaque para Nicolas Cage. Judge Reinhold decepciona bastante ao longo do filme. O filme abusa das cenas de sexo, que são na verdade, bem úteis na condução da narrativa. O ano da produção do filme é 1991 e havia mais rigor quanto a filmes que utilizavam o erotismo explícito, sendo esta uma característica marcante na película. A narrativa do longa é definida e o aprofundamento do psicológico de suas personagens é bem acentuado. Os diálogos da película são irretocáveis.

Sam Pillsbury aproveita um bom roteiro e concebe uma obra-prima irretocável sobre a dor da traição, sobre a dor de um homem que espera ao menos compreensão de sua amada esposa durante uma crise de bloqueio ocasionado pela morte do pai e sua conseqüente missão de tocar os negócios da fábrica que está falindo. O poeta apaixonado e romântico Thierry até tenta perdoar o erro da mulher mas sucumbe a essa traição. As idiossincrasias da película remetem o telespectador às mais recôndidas emoções humanas.

A personagem Johnny ( Cage ), um pintor viciado em drogas, não tem por seu amigo de infância qualquer consideração e respeito. O erro de Thierry foi permitir uma aproximação tão de perto e não perceber que as amizades podem não ser sinceras. A personagem de Reinhold é duplamente traído. Os problemas que Thierry enfrenta são diversos e avalassadores, e ele não tem o necessário suporte emocional para enfrentar tal angustiante situação.

ZANDALEE – UMA MULHER PARA DOIS aborda com maestria adultério, incompreensão, decepção, insatisfação sexual, desejos carnais, ciúme e suicídio. Ninguém consegue ficar impassível frente a tantas questões revelantes em um relacionamento ( a três ) que o longa esmiúça. Coerente e realista o filme trata com esplendor um triângulo amoroso onde o invasor causa prazer e dor para sua amante e ainda sobre um homem decente e bondoso que não encontra o devido amparo da esposa diante de tantos problemas que passa a enfrentar e dolorosamente sofre mais ainda com a deslealdade de sua infiel mulher.

O filme trata com habilidade um adultério completamente inconseqüente e coloca na tela a dilemática situação de um homem com sentimentos de pureza no coração e muita dignidade em suas ações que desiludido prefere anular-se a cometer um desvairado atentado contra seu antagonista e sua ingrata e insensível esposa.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: PERIGO EM BANGKOK

2008-09-25T12:37:00.000-07:00

CAGE NÃO EVITA O FIASCO

Nicolas Cage é um ator que já atingiu há muito tempo seu ápice interpretativo e mantém até hoje um estilo de interpretação interessante. É um ator que esbanja talento e empatia para com o público. Então temos este PERIGO EM BANGKOK, filme que se salva do naufrágio completo devido ao ator. Sua interpretação é o único elemento interessante no longa.

Joe ( Cage ) é um assassino profissional designado para todos os cantos do planeta. No longa, a narrativa inicia com a personagem viajando para Bangkok na Tailândia para cumprir quatro trabalhos ( assassinatos ). Seu estilo de trabalho é baseado em quatro regras, dentre elas: Não se envolver afetivamente com ninguém; não deixar vestígios e fugir imediatamente após o término do trabalho. Em Bangkok, a sua personagem deixa de cumprir com as regras e acaba indo de encontro com a sua consciência.

É um filme raso e ineficaz, sem um maior aprofundamento de suas questões. È um thriller desinteressante e sonolento, mesmo tendo tiroteios, explosões, e perseguições ( inclusive de canoas ). O longa aborda a solidão, traição, crise de consciência, e mudança de estilo de vida ( ou uma tentativa ). Mas, equivocadamente Oxide Pan Chun e Danny Pang ( diretores de PERIGO EM BANGKOK ) erram a mão e fazem da película um fiasco – Cage evita uma catástrofe maior com sua atuação -.

A solidão da personagem principal é o motivo para sua empreitada começar a dar errada. Ele precisa de alguém para dialogar e encontra no cúmplice comprado, o sujeito ideal para ensinar sua técnica e ter uma amizade. E busca em uma bela cidadã tailandesa a chance de namorar e levar uma vida normal. Mas, o seu dever profissional entra em choque com sua tentativa de interagir com outrem.

A fotografia é bonita e escura, o mote é razoável, mas a condução da narrativa é arrastada, os diretores fizeram de PERIGO EM BANGKOK um longa cansativo. Pífio em suas intenções, a película esboça em suas cenas iniciais até o miolo, a promessa de um filme interessante, porém esbarra em situações fracas. Falta vigor à narrativa. E para completar o desastrado quadro, sua solução final é insatisfatória.

O longa toca burocraticamente na história vazia de um homem em busca de um novo horizonte para sua vida. Mas relutante em abandonar sua profissão, sucumbe a sua crise de consciência entre o certo e o errado de suas missões, e fracassa em sua tentativa de recomeçar uma nova vida ao lado de pessoas que por alguns dias deram a personagem uma injeção de ânimo na sua evidente rotina melancólica.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

E-MAIL: FRANCAMARCIOM@YAHOO.COM.BR

2008-09-18T15:27:00.000-07:00

ENSAIO SOBRE A FALTA DE HUMANIDADE

Esta co-produção brasileira, japonesa e canadense, conta com um elenco estelar, com destaque absoluto para Julianne Moore. Interpretando de maneira impecável, em cada cena que está presente, uma esposa dedicada ao marido, vivido por Mark Ruffalo. O diretor Fernando Meirelles, fez do longa, um filme de arte. Um cult, que está em cartaz em vários cinemas da cidade, e não restrito as salas que já são tradicionais por exibirem filmes europeus, asiáticos, etc..., como o Estação Botafogo, o precursor de uma rede de cinemas que visa fugir do badalado circuitão, onde são exibidos, principalmente filmes de Hollywood.

Este ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA, trata da falta de visão, e humanidade que as pessoas ostentam. Sempre foi assim, mas digamos que, no momento, essa falta de um olhar mais profundo e complacente para com o próximo e também, a falta de visão das pessoas em olhar para dentro de si mesmas e enxergar que mudanças podem ser feitas e valores podem ser mudados de seus interiores para fora, é mais veemente.

A trama gira sobre um grupo de pessoas que perde sem razão alguma, suas visões, e como uma epidemia, a coisa vai se alastrando, até tornar o mundo caótico. A personagem de Julianne Moore, é a única pessoa entre todos os humanos a não ser contaminada. Sua personagem, é enquanto os primeiros contaminados são colocados em um hospício fechado, uma líder para aqueles que estão a sua volta, ela é a condutora deles para a luz, no sentido literal e religioso da palavra.

Enquanto o grupo precisa enfrentar um bando de escroques por comida, liderados pela personagem de Gael Garcia Bernal ( em uma atuação fraca, cheia de trejeitos ), com direito a chantagens ( em momentos de extremo sofrimento ), suas precárias condições são mostradas - fezes no chão, sendo pisadas, é um exemplo gritante -. Tal como um sanatório, os primeiros a ficarem cegos – embora estejam ali, sem serem totalmente desumanos - são tratados com total falta de respeito e vêem seus valores serem jogados no lixo, suas dignidades serem postas de lado. Enquanto passam por este redentor sofrimento, as personagens principais, em momento algum se mostram inconformadas, são pessoas que aceitam suas novas condições de vida, com uma interessante e bondosa resignação.

A fotografia em um tom azulado e o silêncio em vários momentos realçam um filme perturbador, comovente, melancólico e até lírico em certas cenas. É um longa reflexivo e uma parábola contundente sobre a incapacidade do ser humano em enxergar aquilo que está a sua frente: ter mais humanidade. A atmosfera do filme é densa e sombria. A trilha sonora é atraente. Fernando Meirelles soube captar os ângulos e enquadramentos do longa de maneira que merece aplausos.

ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA, desconstrói cada personagem central, fazendo cada um, entrar em um doloroso processo de uma quase desesperança. O filme faz uma profunda reflexão sobre o poder do Criador – a cena na igreja em que as estátuas de santos estão com vendas nos olhos, revela que a intenção embutida na mensagem do filme é mesmo de fundo religioso -. A película lida com o sagrado ao colocar na narrativa uma catastrófica epidemia que atinge ( quase ) todos os humanos, como um fim dos tempos Bíblico, onde Deus coloca sobre toda a humanidade um fardo pesado de ter que lidar com a literal cegueira, que é na verdade, uma autêntica falta de visão e sensibilidade da humanidade para com seu semelhante, por não haver mais amor ao próximo.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

E-mail: francamarciom@yahoo.com.br

Crítica: A CASA DE AREIA E NÉVOA

2008-09-17T13:34:00.001-07:00

COBIÇA TRÁGICA

Jennifer Connely, é uma atriz com um enorme potencial dramático, já oscarizada por UMA MENTE BRILHANTE, contracenando com Russel Crowel. É também, uma atriz que sabe escolher seus papéis. Neste A CASA DE AREIA E NÉVOA, a beldade contracena com o excelente ator Ben Kingsley, também oscarizado nos anos 80 pelo seu desempenho em GANDHI. O longa é um ótimo trabalho sobre a cobiça e apego aos bens materiais.

Graças a um equívoco do município de uma cidade dos Estados Unidos, Kathy ( Connely ), transforma-se em uma sem-teto, devido a uma ordem de despejo. A sua propriedade, a tal casa do título, ainda por cima é vendida pelo governo municipal, logo depois, a um oficial iraniano interpretado por Kingsley. A personagem de Connely, se vê de uma hora para outra, em um dilema que se encerrará de forma trágica.

Kathy ao lutar pelos seus direitos, é a figura que movimenta toda a trama, com sua impetuosa e insana batalha para retomar a sua casa, levando e sendo levada por um caminho árduo, cujas conseqüências são a dor e o sofrimento para todos os envolvidos. Kathy, é uma mulher frágil, que foi abandonada pelo marido alguns meses antes de começar a narrativa, e é uma personagem carente de afeto, que trabalha, até não conseguir suportar mais, para reaver sua propriedade, e até conseguir enxergar sua própria fragilidade e os erros que comete em sua empreitada, dentre eles, ao conduzir a família de Behrani ( Kingsley ) ao desespero.

A CASA DE AREIA E NÉVOA, é um drama forte e melancólico. É também um ensaio sobre o suicídio. Suas personagens são todas pessoas que não tem um sentido de orientação, são isso sim, pessoas infelizes, que acabam por se machucar ao lutar por uma propriedade e esquecerem do verdadeiro significado da vida, que é fazer as coisas certas, ser feliz, sem prejudicar a outrem. Todas as personagens da trama central perdem e pagam um alto preço pela falta de sensibilidade em resolver um conflito fácil de solução.

A direção de Vadim Perelman é excelente, ao aprofundar no psicológico de cada personagem, em definir bem cada papel, sem estereótipos, talvez somente a personagem Lester, interpretada por Ron Eldard, um policial que abusa de sua autoridade, e que larga a esposa e filhos por uma aventura com Kathy. As idiossincrasias do longa são bem trabalhadas, tanto pelo diretor, quanto pelo elenco. A produção de A CASA DE AREIA E NÉVOA é caprichada, mas o que realça a película é o conteúdo bem definido de suas intenções.

O longa aborda com maestria uma propriedade cobiçada, com pessoas, cada qual com sua motivação, lutando pela posse de uma escritura, desorientadas, tristes, ferindo uma à outra e esquecendo que bens materiais não são mais importantes que a valorização da felicidade e da tranqüilidade.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: HELLBOY 2 – O EXÉRCITO DOURADO

2008-09-11T17:10:00.000-07:00

O PARADOXO DE UMA CONTINUAÇÃO

A continuação do original HELLBOY, de 2004, manteve os mesmos atores e o mesmo diretor (Guillermo Del Toro ) e a temática continua a mesma, ou seja, Hellboy, o personagem, tenta ser conduzido para o outro lado da dualidade entre o bem e o mal existente dentro de si. Este O EXÉRCITO DOURADO, é um pouco melhor que o original. A ação continua intensa, mas o conteúdo é mais definido e aprofundado.

O roteiro desta vez coloca no caminho do herói originário dos gibis, um príncipe impiedoso, que é capaz de matar seu próprio pai. A história trata de um povo que vive fora dos limites de convivência com os humanos e tem uma arma mortal – um exército imenso, em quantidade e tipo físico, uma espécie de robôs -. Estes seres não desejam um conflito com aqueles que Hellboy defende ( os humanos ), mas o príncipe desta dimensão, deseja e coloca a personagem principal para trabalhar bastante para evitar uma catastrófica guerra eminente.

Hellboy, agora está casado com a paranormal Liz Sherman ( Selma Blair ) e vai ser pai. Há conflitos no relacionamento entre os cônjuges, em uma encantadora relação de amor sincero que ambos têm em comum. A personagem Sapiens – uma espécie de peixe intelectual –, que já no primeiro longa, colaborou um bocado com o herói e vive na Agência de Pesquisa e Defesa Paranormais – o local onde Hellboy pode chamar de lar -, também vive uma paixão, pela irmã gêmea do vilão Nuada. Uma princesa de coração puro. A cena em que os dois, o protagonista e seu ajudante, cantam bêbados e apaixonados, juntos, é de um lirismo extraordinário – um pouco cômica, também, é verdade -. Uma cena senão antológica, ao menos a melhor do filme.

Os efeitos especiais de HELLBOY 2: O EXÉRCITO DOURADO, fazem a festa dos aficcionados do gênero ação, mas paradoxalmente, esta continuação é melhor que o original, embora não faça do longa, um bom filme. A narrativa é mais definida e as emoções escassas no primeiro filme da série, são mais afloradas nesta película. Nada de extraordinário, mas como se trata de uma continuação, uma comparação é sempre inevitável. O clima do filme é de alegria, e este longa não coloca tantas cenas místicas, como no primeiro. Há mais aventura e sua duração é um pouco mais curta.

Um certo cansaço já é sentido no espectador em relação às adaptações de quadrinhos antigos, com pessoas saindo antes da sessão terminar, citando um exemplo sintomático. Os super-heróis e suas marcas que os caracterizam, remetem à mitologia grega, que explica que cada herói tem uma característica que o diferencia dos demais seres, um sinal, seja físico ou paranormal. Os heróis em nosso mundo, podem ser qualquer um de nós. Tal qual nos quadrinhos e no cinema, um ser humano pode ser um herói, até mesmo, sem que saiba disto. Mas, há uma marca, podendo ser até mesmo, uma cicatriz que o diferencie dos demais.

HELLBOY 2, aborda uma personagem que é o próprio contraste entre seu destino e sua boa índole, que luta contra seres místicos e míticos. Um herói apaixonado, que não gosta de ser desprezado pelas pessoas, devido a sua aparência, e é um cumpridor fiel de suas obrigações como defensor da terra e dos mortais.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: O PROCURADO

2008-09-09T12:01:00.000-07:00

A VALORIZAÇÃO DA AUTO-ESTIMA

O PROCURADO é um tipo de filme que Hollywood produz em larga escala. Um thriller que mesmo sem ter um mote digno, e uma narrativa definida cai no gosto do espectador, já acostumado com perseguições de carros em alta velocidade no trânsito movimentado, fugas velozes, e muitos tiros disparados. O longa realmente tem todos estes requisitos, mas possui um diferencial enorme por contar com um ótimo roteiro e uma direção eficiente de Timur Bekmambetov.

Wesley Gibson ( James MacAvoy ) é um contabilista sem perspectivas na vida, é traído - com seu consentimento, por um amigo (? ) e colega de trabalho - pela namorada, com quem mora, e vive sendo humilhado pela chefe, até ser encontrado pela personagem de Angelina Jolie, e saber que supostamente, seu pai desconhecido, foi morto, no dia anterior. Passa então, a ser perseguido pelo assassino e recebe no trabalho da personagem de Jolie, uma versão para os fatos.

O longa trabalha muito com a implausibilidade e inverossimilhança de suas cenas de ação, de certa forma originais, e conta ainda com a novidade do tiro enviesado – a bala toma uma curva -, assemelhando-se muito com o impacto que o efeito Bullet ( bala ), que MATRIX ( longa com Keanu Reeves ) provocou no espectador, quando de seu lançamento. Seus efeitos especiais são excelentes, porém O PROCURADO é na verdade, um filme que vai além de sua sofisticada produção. As suas cenas iniciais e finais são perfeitas. A idiossincrasia da película encanta o público.

O mote do filme procura evidenciar que Gibson corre perigo e precisa ser treinado para enfrentar o matador de seu pai. A trama vai se desenvolvendo e o espectador fica cada vez mais atento à tranformação emocional que o protagonista principal passa. Sua auto-estima é valorizada e sua personagem, antes um sujeito burocrático e passivo diante das situações que giram ao seu redor, começa a agir dentro da corporação como um aluno motivado e corajoso.

O ritmo do filme é veloz, tal como a metamorfose de Gibson, que ajudado pela única pessoa que parece ter algum sentimento sincero por ele, a personagem de Angelina Jolie, vai aos poucos desvendando as tramóias das pessoas que estão a sua volta, até decifrar o verdadeiro motivo que levou a sua personagem a estar nesta situação. O PROCURADO , trabalha com infidelidade, traições, manipulações – inclusive com os espectadores, que tal qual o protagonista principal, não sabem até onde o filme vai chegar -, e mudança de comportamento.

É um filme surpreendente ( é também, uma agradável surpresa ) e atraente, com suas vicissitudes bem filmadas, que trata sobre um homem sem decisão e apático, que da noite para o dia vê, com bons olhos, sua vida mudar, ser respeitado, agir como um verdadeiro homem ( sua nova profissão, vai contra os mandamentos de Deus ), retomar sua perdida auto-estima e deixar de aceitar que o tempo consuma sua própria existência.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: HELLBOY

2008-09-08T09:51:00.000-07:00

ADAPTAÇÃO DESINTERESSANTE E RASA DO GIBI

Os filmes cuja temática são as histórias em quadrinhos antigas, cujos protagonistas são super-heróis, viraram um filão já bastante explorado no cinemão de Hollywood. Os adolescentes são os principais consumidores deste tipo de filme, pela presumida ação que transborda da tela. Temos então, este HELLBOY, de 2004. Uma das primeiras transposições, em larga escala, para a película do gênero. Filmes como O DEMOLIDOR, ELEKTRA e HULK são cultuados pela geração de hoje. Um dos principais motivos é a escassez de idéias novas que assola a indústria situada nos Estados Unidos.

Hellboy, o personagem, é um demônio que vive protegendo os humanos de criaturas malignas. A trama tem origem em 1944, durante a segunda guerra mundial, quando uma personagem de origem russa abre um portal do inferno – ficticiamente, os alemães usaram de misticismo para ganhar a guerra -, trazendo para a terra, então, Hellboy, ainda bebê, que fica sob os cuidados dos norte-americanos, mais precisamente do professor Broom ( John Hurt ).

O longa apresenta muita ação e pouco conteúdo em sua narrativa. O roteiro já claudicante, é mal explorado por Guillermo Del Toro ( diretor do longa ) não conseguindo um maior envolvimento do telespectador com a história contada na película. Situações que deveriam ser bem desenvolvidas, como a relação entre Hellboy e seu “pai”, e ainda o amor entre o herói protagonista e a paranormal ( ela tem o poder de criar fogo ) interpretada pela bonita Selma Blair, não são filmadas e aproveitadas com um teor de profundidade que a trama necessitava.

Os mesmos vilões que trazem Hellboy para o planeta, reaparecem com um plano para conduzir o mundo sob o domínio de demônios, deixando o super-herói com a missão de combater um monstro demoníaco, que ressuscita se transformando em dois, e deixando ovos que depois de germinados, viram novas criaturas. A intenção do vilão russo ( alguma referência com a finda guerra fria, entre estes e os Estados Unidos ?), é fazer de Hellboy, o imperador do universo. Fazer com que ele vire uma criatura ruim.

A narrativa é intensa, mas as atuações são razoáveis, e HELLBOY é raso demais para ser considerado um produto de qualidade. Algumas piadas do repertório da personagem principal, até que acrescentam algum atrativo à trama. Mas, seu resultado final é pífio, e seu desfecho insatisfatório. O seu clímax lembra, e muito, uma produção B, com seu ritual maléfico para mudar a ordem do mundo.

O longa é uma adaptação vazia de um gibi de sucesso, que trata de uma personagem demoníaca, polida e tratada com carinho por humanos, lutando contra seres maléficos, em prol da humanidade, apaixonada e ciumenta por uma humana com poderes sobrenaturais, que tem ainda, a árdua missão de lutar contra sua própria natureza, em uma conflituosa decisão para definir a dualidade entre o bem e o mal que habita dentro de si.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

ESTAÇÃO PAISSANDU – O FIM DE UM ERA

2008-09-06T12:39:00.000-07:00

O tradicional cinema Paissandu, situado na Rua Senador Vergueiro, inaugurado em 1960, no Bairro do Flamengo, que nos últimos anos passou a ser administrado pelo Grupo Estação, fechou suas portas para exibições de filmes, no último domingo, promovendo uma exibição de longas clássicos com ingressos a R$ 1,00.

Esta sala foi uma referência para intelectuais e estudantes na década de 60, devido a sua localização, perto de restaurantes e bares, onde os espectadores alongavam o passeio para conversar sobre cinema, política e tantos assuntos mais, que estavam em voga naquela época.

Fui uma única vez ao cine Paissandu, em 1998. Já sem o seu glamour de outrora, mas com um diferencial, no fundo da sala havia uma área para fumantes, com direito a poltronas. Naquele momento, os cinemas de rua já haviam perdido espaço para as salas de Shopping, devido à facilidade para estacionar o carro e o maior conforto das salas, mais luxuosas e melhor refrigeradas, e ainda, com uma melhor projeção.

O cine ESTAÇÃO PAISSANDU, tema de um livro intitulado GERAÇÃO PAISSANDU, do crítico de cinema Rogério Durst, determinava, até domingo passado, uma resistência dos cinemas de rua, geralmente, com uma enorme e única sala de exibição. Sinais indicam que o cine PALÁCIO na Cinelândia, fechará suas portas também, pois foi vendido pelo Grupo Severiano Ribeiro, para virar um centro de convenções, reduzindo com isso, ainda mais, o já pequeno número de salas que ficam fora de Shoppings. Restará entre os cinemas tradicionais apenas o ODEON BR e o ROXY. Situação no mínimo lamentável, para cinéfilos nostálgicos com idade acima de 30 anos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: O NEVOEIRO

2008-09-05T11:25:00.000-07:00

SUSPENSE SOMBRIO E COM CLÍMAX MEMORÁVEL

Frank Darabont ( diretor ), utiliza um texto do escritor Stephen King e faz um brilhante filme, que já é um dos melhores do ano. O texto de King, tem várias nuances que Darabont aproveita e realça. Os produtores resolveram colocar nesta película, um econômico time de estrelas, com destaque absoluto para Márcia Gay Harden – em um papel fundamental para a condução da narrativa -.

A ação de O NEVOEIRO é ambientada em uma cidadezinha norte-americana, onde uma base militar do exército americano, utiliza experiências científicas, que acabam por provocar uma calamidade na região, ao afetarem o metabolismo de insetos, tornando-os criaturas assustadoras e enormes, provocando ainda o tal nevoeiro do título. E o refúgio dos habitantes da localidade acaba sendo um supermercado, onde praticamente, toda a narrativa da película se desenvolve.

O longa tem uma atmosfera sombria e uma narrativa definida, que mistura suspense e terror, com um tenso trama, com suas personagens conflitando sobre a melhor solução para resolver este dilema. Entra em cena, então, a excelente atriz Márcia Gay Harden ( séria candidata ao Oscar, deste já ) uma fanática religiosa, que acredita que a catástrofe seja obra de uma punição do Criador, comete com isso uma heresia atrás da outra, virando para vários dos sobreviventes isolados, uma líder com suas pregações, onde cita textos da Bíblia, colocando ainda mais nervoso, o ambiente.

É um filme que aborda um suposto fim dos tempos, deixando as personagens desorientadas e incertas quanto ao seu destino. Sóbrio e por vezes assustador, O NEVOEIRO, vai de cena em cena, narrando a angústia e tensão de seus protagonistas, em diálogos ferinos e contundentes. Sua fotografia é impecável e há cenas viscerais. Caso Darabont imprimisse uma maior claustrofobia na narrativa, o longa seria uma perfeita obra-prima.

O NEVOEIRO, aborda com primor, o fanatismo religioso, e um claro medo do apocalipse. A trama transcorre definida e vigorosa. Seu clímax é antes de mais nada, antológico. Surpreende e é tão bem filmado, que poderia ser encaixado como um dos melhores curta-metragens já produzidos. O filme é estiloso, mas seu final, o é ainda mais: cinco habitantes da cidade tentam fugir do nevoeiro e dos letais insetos gigantes, sem ter noção para onde ir e sem poder abastecer o tanque do carro de gasolina, então, o carro fica sem combustível e seus ocupantes decidem, sem perspectiva, como salvar suas vidas. Um desfecho memorável para um longa convincente.

O longa trabalha com os conflitos entre pessoas abaladas psicologicamente, em estado absoluto de tensão, lutando contra insetos gigantes e uma fanática religiosa que mais divide e tensiona as pessoas que acalma, e desacreditadas e sem esperança de que haja um amanhã, um novo dia, relutam, mas acabam conformadas ( em um equívoco irreparável ) com a catarse gerada, e deixam de forma precoce de lutar.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: SR. E SRA. SMITH

2008-09-01T13:46:00.000-07:00

CASAMENTO EM CRISE

Brad Pitt e Angelina Jolie, protagonizam este eficiente SR. E SRA. SMITH, atuando pela primeira vez juntos. O apelo sexual do casal é latente – Pitt, para as mulheres -, e esta combinação de um certo talento de ambos e mais a lascividade da bela Angelina Jolie e ar de galã do ator, fazem uma combinação perfeita para atrair público aos cinemas, na época de seu lançamento, e várias locações em DVD.

Mas, SR. E SRA. SMITH é uma película que vai além deste detalhe, é na verdade um thriller brilhante, que combina romance com humor de forma requintada e inteligente, um casamento em crise. Doug Liman ( diretor ) aproveita todas as nuances do roteiro e uma produção sofisticada – os efeitos especiais, são de primeira -, que o longa bate na tela como uma pequena obra-prima.

John ( Pitt ) e Jane ( Jolie ) são dois agente que trabalham na função de assassinos profissionais que se conhecem na Colômbia e logo em seguida vão ao altar. E durante a metade de uma década vivem maritalmente, sem que um saiba da profissão do outro. Até que, são traídos pelos seus chefes que desejam que um tenha vontade de eliminar o outro. Durante o processo de descoberta da vida paralela que cada um tem, muitas verdades vêm à tona e a relação do casal é abalada e de forma forçosa – também devido ao erro de interpretação que cada um faz da situação -, literalmente fazem suas habilidades enquanto assassinos, ter como alvo seu cônjuge.

SR. E SRA. SMITH trata de traições, mentiras, mas trata também de amor verdadeiro, aquele que vem do fundo do coração. A cada agressão que John faz em Jane, esta sente e o mesmo acontece quando Jane tenta agredir John. A sensibilidade das personagens principais, acontece somente assim. Este detalhe é crucial para manter a narrativa do longa atrativa. Eles são impiedosos em suas tarefas, mas foram feitos um para o outro. A cena em que Jane segura um bebê, a contra gosto, revela uma frieza impressionante para uma mulher, realçando que Jane é menos sensível que John. Mas a relação do casal, de um aparente ódio mútuo, lá pelo miolo, se fortalece, e muito, com o dilemático caos em que se encontram.

Como não poderia deixar de ter, há uma cena, embora não muito quente – como no filme PECADO ORIGINAL, com a atriz em cenas de sexo quase explícito com Antonio Banderas – de sexo entre os protagonistas. Pitt e Jolie, estão à vontade em cena, e como no já citado filme de Jolie, o clima é de entretenimento em alto nível, com muita espontaneidade. Vince Vaughan ( PSICOSE, de 1999 ), faz um agente amigo da personagem de Pitt, totalmente deslocado na narrativa. Este ator tem um bom potencial, mas é sempre sub-aproveitado.

O longa é atraente e movimentado, e discursa sobre um casal com sentimentos verdadeiros, um pelo outro, que na realidade esconde para seu cônjuge, a dubiedade existente entre um casamento convencional e uma vida profissional, completamente distintas, unindo forças para salvar suas vidas, após terem caído em uma armadilha, transformando um revés no casamento em uma intensa atração sexual e a revelação e percepção de um interessante amor sincero entre ambos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Crítica: V DE VINGANÇA

2008-08-25T12:54:00.000-07:00

V DE VERDADES REVELADAS

Este longa produzido e escrito pelos irmãos Wachowski da trilogia MATRIX, tem como idéia básica, em seu roteiro a mesma estrutura deste, um povo que não tem idéia das manipulações de um governo tirano ( em MATRIX, as máquinas controlavam as pessoas ), e como Neo ( Keanu Reeves ), um homem ( Hugo Weaving ) com objetivos pessoais, tem a missão de esclarecer e terminar com as manipulações do governo.

V ( Weaving ) monta durante vários anos uma estratégia de desmontar e tirar do poder seus tiranos comandantes ( Nazistas? ). A história é ambientada 20 anos após os comandantes de agora terem criado uma farsa e provocado a morte de aproximadamente 80.000 mil pessoas, contaminadas com produtos biológicos, para assumirem o poder. V foi uma dessas pessoas, infectadas e que esteve preso em um centro de detenção, onde foi torturado, mas sobreviveu ao tormento.

O roteiro é excelente, e a direção de James Macteigue é firme. A produção é sofisticada e a narrativa é envolvente. V DE VINGANÇA, é um filme emocionante, cujos sinais de seus significante e significado, indicam que há plausibilidade em sua história, como nas ditaduras do gênero. O conteúdo da película é profundo, com elementos psicológicos bem realçados, e sua forma, reluzente.

O longa tem um aprofundamento intenso na sua questão psicológica, com o relacionamento intenso entre as personagens de Weaving e Natalie Portman ( uma excelente atriz ). Os dois entram em uma relação, por vezes doentia, onde embora não desconfie, Evey ( Portman ) tem muito em comum com os ideais de V. Os diálogos travados entre os dois, são sempre fortes e interessantes. O mascarado dialoga sempre proferindo frases de efeito, tiradas de escritores, em uma verborragia agradável. Evey ficou órfã e perdeu seu irmão, devido aos fatos que antecederam a tomada do poder pelos inescrupulosos governantes. A relação dos dois vira um amor mútuo, que desafia os padrões convencionais, pelo fato de ser um romance entre uma mulher bela e um homem que jamais tira sua máscara. V liberta Evey de todo e qualquer medo após forjar uma prisão e tortura, para a personagem de Portman.

V DE VINGANÇA, trata de tirar as máscaras de personagens sem caráter, que tiveram um passado escuso e amoral, trata de expor para a população a verdade sobre os fatos que acontecem por trás de quem está no alto escalão do comando político. Os irmãos Wachowski e Macteigue, não poupam ninguém no longa. O padre, um religioso, que foi promovido a Bispo, é um pedófilo, este dado do roteiro realça que o princípio com o qual o longa trabalha é mesmo de revelar a podridão de pessoas influentes, mas sem noção do significado da palavra honra.

O filme aborda com maestria, um homem mascarado e vingativo, sem medo de nada, disposto a tudo para conseguir seu objetivo, e que descobre um amor, sem esperar, em sua discípula e cúmplice, pondo seu plano em prática por um ano, com motivação pessoal e ideológica, e destruindo um sistema de governo mentiroso e manipulador, sendo capaz até mesmo, de morrer, para que sua vingança saia conforme planejou, em sua missão de fazer o povo enxergar a verdade por detrás dos fatos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

francamarciom@yahoo.com.br

Coluna "Falando em Cinema"

Crítica: ZOHAN - O AGENTE BOM DE CORTE

2008-08-21T12:59:00.000-07:00

PELÍCULA HILARIANTE, MAS COM UM CUNHO POLÍTICO

Os filmes de Adam Sandler, na maioria de sua filmografia, são longas cômicos, mas sem graça. O PAIZÃO e O REI DA ÁGUA, são dois exemplos de películas em que o protagonista principal ( Sandler ), sub-atua. Sua expressão facial não mudava e as piadas destes longas eram desperdiçadas – também em roteiros fracos, é verdade – pela ineficácia de Adam Sandler de causar empatia para com o espectador. Neste ZOHAN, o ator começa a atuar de verdade.

O filme trata, com um pouco de indecência, é bem verdade, de um agente do exército israelense, bastante popular com as garotas, devido as suas habilidades – seja com as mãos ou com os pés -, que tem a missão de combater terroristas. Zohan, o personagem, é invencível e não sente dor. O longa muda o foco, quando a personagem principal decide mudar seu estilo de vida, forjando seu próprio desaparecimento, enquanto ser vivo. E vai em busca de seu sonho de virar um cabeleireiro. Paradoxo maior, não poderia existir.

ZOHAN trabalha também com o conflito entre Israel e os países muçulmanos na chamada Guerra Santa. Um embate religioso que parece não ter fim, justamente no local onde Jesus Cristo, viveu como humano. Este dilema, a princípio insolúvel, o roteirista da produção resolveu aproveitar em seu texto.

As piadas e gags de ZOHAN compensam o valor gasto na bilheteria do cinema, pelas inovações que trazem ao cinema, em cenas hilariantes. A direção do longa é eficaz quanto ao alicerce do roteiro: fazer de forma descontraída e engraçada o espectador rir.
O clima predominante no filme é de leveza e agilidade em sua narrativa. Há um excesso de minutos na produção. Com um tempo menor de projeção, o longa não apelaria para a correria em seu clímax. Sendo assim, ZOHAN, seria um pouco mais definido quanto ao seu equilíbrio narrativo. Há cenas dispensáveis que não precisariam ter entrado na montagem final.

O ideal de vida que cada ser humano ( seu sonho interior maior ) tem guardado dentro de si, pode ser alcançado com o tempo. Bastando para isso, perseverança e determinação em alcançar seu objetivo principal na vida. Em uma meta profissional, por exemplo, a pessoa deve procurar definir seu caminho e prosseguir motivado ( com honradez e honestidade ), até atingir seu resultado positivo final, caso tenha habilidade ou dom, ou mesmo, ambos, para desempenhar a. função

ZOOHAN, coloca com muita implausibilidade, uma espécie de super-herói do exército de Israel, ansioso para mudar seu estilo de vida, sem conhecimento algum cultural, muito querido entre os seus, em um processo de amadurecimento. Fato revelado quando passa a amar de verdade, uma moça palestina ( Emmanuelle Chriqui ), evitando com mais sensibilidade em seu ser, um início de uma outra Guerra Santa, desta vez, em solo norte-americano. O filme é um apelo à paz entre judeus e muçulmanos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA
Coluna “Falando em Cinema”
francamarciom@yahoo.com.br

Crítica: DE REPENTE 30

2008-08-18T11:43:00.000-07:00

Surrealista e sem glamour

Jennifer Garner, é uma atriz com um enorme potencial interpretativo. Foi a protagonista de ELEKTRA e coadjuvante em O DEMOLIDOR. Garner precisa ainda, de algum tempo de experiência e encontrar o papel certo em um filme do gênero drama, para dar uma guinada em sua pequena, porém notável carreira em Hollywood.

DE REPENTE 30, é um filme agradável, mas que não tem um certo charme e glamour para uma comédia romântica, sua estrutura em muito é parecida com películas como QUERO SER GRANDE, com o excelente Tom Hanks e ainda com O MENTIROSO, interpretado por outro grande ator, Jim Carrey. Estes filmes são também implausíveis em seu roteiro original por abordar o surrealismo, como DE REPENTE 30. Chega a ser um pouco mais parecido com o primeiro, pelo mote deste longa, em que coloca um garoto que passa a viver com o corpo de um adulto ( Hanks ).

Este filme de Garner trata de uma pré-adolescente, que deseja ter 30 anos de idade, namorar e ter uma carreira de sucesso. Sua metamorfose acontece, e a ida no tempo também ( o filme começa sendo ambientado em 1987 ). Jenna, a personagem de Garner, salta os anos e, depois de fazer um pedido para que seu anseio acontecesse, em seu décimo terceiro aniversário, a narrativa passa a ser ambientada em 2004 ( ano da produção do longa ).

Todas as novidades que Jenna (Garner ), com sua mentalidade juvenil em um belo corpo de mulher balzaquiana, passa a conviver – inclusive o seu celular, inexistente em 87 –, e a nova vida que desejou e conseguiu entram em contraste com sua personalidade pueril. Jennna é agora, uma executiva de uma revista, sem escrúpulos e sem sentimentos. Sua personalidade foi mudando com o tempo ( a transformação, ela vai descobrindo com o desenrolar da trama ). E passa a odiar essa nova condição. Jenna ainda menina passa a menosprezar seu melhor amigo Matt ( vivido pelo ator Mark Ruffalo ), seu amor verdadeiro, para virar popular entre amigas insinceras na escola que estudava.

Algumas pessoas, muitas vezes, deveriam conformar-se com a vida que possuem. Caso não tenham isto ou aquilo que tanto anseiam. O seu sonho é, obstinadamente conseguido com o tempo, sem pular fases ( sendo de forma leal e honesta ). Então, passam a querer consertar seus erros. Quando na verdade a felicidade, em muitos casos, está ali, bem ao lado delas, sem que percebam. O maior problema de não perceber isto, é que, os erros podem não ser consertados.

DE REPENTE 30, revela a história de uma menina que, em seu aniversário de 13 anos, dá um salto enorme em sua vida de forma surreal, desejando e realizando um sonho e que aprende que não deve queimar etapas e aceitar sua rotina, e nem menosprezar quem tem afeição verdadeira para consigo.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA
E-MAIL: FRANCAMARCIOM@YAHOO.COM.BR

Crítica: CAÇADO

2008-08-16T13:41:00.000-07:00

Retrô DVD

PERSEGUIÇÃO IMPLACÁVEL E ESTILOSA

Tommy Lee Jones com este CAÇADO, segue praticamente o mesmo estilo de filme da personagem que interpretou em O FUGITIVO de 1992 ( oscarizado como melhor ator, por esta interpretação ). O roteiro original é basicamente o mesmo. Uma perseguição implacável a um foragido da justiça. O caçado desta vez é Benicio Del Toro (também oscarizado como melhor ator coadjuvante por TRAFFIC ).

O roteiro não tem originalidade e é fraco. Porém William Friedkin ( seu diretor ) realiza um thriller ágil, visceral e estiloso. A montagem beira a perfeição com uma narrativa onde a ação é ininterrupta. O ritmo do filme, não deixa o telespectador respirar, tamanha a velocidade – mas há pequeno aprofundamento nas questões psicológicas das personagens da película – de suas cenas.

CAÇADO narra a perseguição de L. T. Bonham ( Jones ) a um condecorado soldado do exército americano após uma bem-sucedida ação militar em Kosovo na guerra entre Sérvia e Albânia, o discípulo de Bonham, Aarom Hallam ( Del Toro ) entra em conflito consigo mesmo, algum tempo antes de uma outra missão, onde comete erros. A personagem de Del Toro vira então, uma máquina assassina impiedosa, com sua paranóia de guerra.

Do miolo de CAÇADO até seu eletrizante clímax, quase não há diálogos, e sim, muita ação estilosa em perseguições e fugas muito bem filmadas e cenas de luta viscerais e antológicas entre os protagonistas antagônicos. Apesar de já um pouco envelhecido para o papel, Tommy Lee Jones cumpre sua função perfeitamente e o dilema maior de L. T. Bonham é colocado em questão. Sua personagem, apesar de ter trabalhado para o governo e treinado soldados para matar ( inclusive Del Toro ), jamais cometeu um crime. E talvez tenha que realizar este pecado capital, nesta ação. Aprofundamento psicológico que deveria ter sido um pouco mais bem aproveitado.

Os soldados que entram em uma guerra, seja entre nações rivais ou mesmo, em uma guerra civil, sempre ficam com alguma seqüela emocional ( ou física ). Isto quando não acabam falecendo em combate. Precisam de tratamento psicológico para superar seus traumas adquiridos em batalhas sangüinárias. A psicose que alguns destes homens carregam, é em alguns casos, irreversível. É na verdade, uma tragédia emocional e pessoal. A insanidade do ser humano ao colocar jovens de 18 anos, por exemplo, em uma situação que as abalará internamente para sempre, é em sua essência um grandioso absurdo. Estes transtornos são firmados em menor escala para alguns e em larga dimensão para outros.

CAÇADO é um longa que coloca em choque o criador e sua criatura, o mentor e seu discípulo, o treinador e seu aluno, em diversas perseguições, em alto estilo, além de lutas corretamente coreografadas, onde usam somente facas e os punhos, com um clímax memorável, colocando um embate mortal entre os antagonistas, que precisam, cada um com sua motivação, anular o outro.

Márcio Malheiros

francamarciom@yahoo.com.br

Crítica: MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA

2008-08-15T11:56:00.001-07:00

O longa cumpre mais do que você imagina suas premissas.

Meg Ryan tornou-se ao longo de duas décadas, uma atriz especializada em comédias românticas. Seu primeiro sucesso neste gênero foi HARRY E SALLY – FEITOS UM PARA O OUTRO, em 1989. Daí em diante protagonizou mais de uma dezena de películas similares. Em 1998 protagonizou um ótimo drama romântico com Nicolas Cage, CIDADE DOS ANJOS, e no ano seguinte, o filme que primeiro retratou os namoros on-line, o eficiente MENSAGEM PARA VOCÊ, com Tom Hanks. É uma atriz talentosa, bonita, sensual e virou um ícone neste tipo de produção comum em Hollywood.

O roteiro é instigante e mostra a virada de estilo de vida de uma mulher ( Meg Ryan ) que passa a sair com vários homens, inclusive adolescentes – deixando seu filho, interpretado por Colin Hanks, embaraçado e ciumento -, depois de passar por uma fase de baixa auto-estima, e ter engordado muito. Ryan encontra na personagem de Antonio Banderas ( atuando de maneira mais amadurecida e competente ) a sinalização de uma paixão duradoura, um relacionamento sério. Sem saber ao certo – a personagem de Banderas carrega uma dubiedade quanto à sua moral – que seu novo amor planeja roubar uma estátua de arte, pondo uma interrogação se ele é o homem adequado para a personagem de Ryan se apaixonar.

A história tem várias nuanças que realmente despertam a atenção do espectador. Como o ciúme da personagem de Colin Hanks para com a mãe, agora uma arrebatadora de corações com seus atrativos sexuais – gerando várias situações cômicas -, pois ele não aceita a nova situação instaurada, então; a dubiedade da personagem de Banderas quanto ao seu caráter ( tudo leva a crer que ele é um escroque ) e o cozinheiro italiano que continua apaixonado pela personagem de Ryan e vai à casa dela todos os dias com um ramalhete de flores, mesmo depois do témino do caso entre os dois, tentando um reatamento improvável. O clima da película é de alegria e alto-astral.

É um filme inteligente que dosa bem dois gêneros cinematográficos distintos: a comédia romântica e o policial. A narrativa é ágil e comprometida com o entretenimento. Porém o filme é tão bem escrito, dirigido e bem interpretado ( principalmente Meg Ryan, embora Banderas também brilhe na tela ), que MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA, surpreende como mais um produto que a princípio poderia passar como mais um filme. Mas não. MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA bate na tela despretensiosamente eficaz.

Uma mudança de hábito, por vezes é necessária. Um estilo de vida deprimente precisa ser revisto e analisado pela própria pessoa em questão. A pessoa precisa tomar coragem e corrigir certas atitudes. Enfrentar seus medos e suas limitações de frente e lutar para atingir sua própria felicidade ao lado de amigas e amigos e encontrar uma paixão que devolva seu amor próprio, sua auto-estima. Estas pessoas, muitas vezes, precisam de ajuda dos mais próximos, ou até mesmo, de alguém que acabam de conhecer, durante a fase de depressão e angústia. Mas essa nova postura deve partir do fundo do coração, de sua vontade interior de enfrentar seus dilemas.

MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA, aborda traição entre comparsas de negócios escusos e encantamento e desilusão ( aparente ) com uma nova conquista, e ainda dois casais que apresentam química entre si, principalmente Ryan e Banderas, coadjuvados por Colin Hanks e Selma Blair. Inclusive na maioria das cenas em que protagonizam juntos, Ryan e Banderas apresentam diálogos antológicos em cenas igualmente antológicas. Cenas estas, sempre com um cunho sexual evidente. As piadas que Colin Hanks tem que aturar sobre sua mãe, também são dignas de nota.

O longa sugere que nem tudo é o que parece ser. Seus planos e enquadramentos realçam e revelam em cada fotograma, um cuidado na produção. O diretor George Gallo realizou uma obra autoral, pois o roteiro foi escrito pelo próprio. Suas premissas são todas bem realizadas e MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA, transborda inteligência e empatia para o espectador.

MAIS DO QUE VOCÊ IMAGINA, mostra sensatez ao conduzir o espectador a acompanhar a história de uma mulher ( Ryan ) que assume uma nova condição de vida, e que aparentemente, sofre uma dolorosa desilusão sentimental, pensa frustrada em uma recaída após isso, porém acaba percebendo que às vezes, por trás de uma suposição - quanto ao caráter de alguém - equivocada, esconde o caminho certo de uma plena satisfação em sua vida romântica.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Coluna Falando em Cinema
francamarciom@yahoo.com.br

2008-08-12T10:08:00.000-07:00

CRÍTICA: O DIÁRIO DE BRIDGET JONES

Balzaquiana sensível e romântica

Filmes como O DIÁRIO DE BRIDGET JONES, trouxeram um certo frescor ao cinema na época de seu lançamento. A originalidade do roteiro e a narrativa leve porém com um conteúdo bem aprofundado sobre uma mulher de 32 anos, solteira e ainda com esperança de encontrar o amor de sua vida para um relacionamento sério, revitalizou o gênero comédia romântica.

O DIÁRIO DE BRIDGET JONES é um filme bem escrito e Sharon Maguire ( diretor da película ) conseguiu produzir uma trama que se sustenta ( bem ) na descontração, autenticidade e sinceridade que tanto os atores principais – principalmente a protagonista Renée Zellweger – e as cenas transmitem.

A trama gira em torno de Renée Zellweger ( nascida para o papel ), que interpreta uma escorpiana balzaquiana que ainda não casou e busca durante toda a projeção do filme se acertar em sua vida amorosa. Como todo escorpião do horóscopo, sua personagem é muito guiada pela emoção em detrimento da razão, em suas relações – este crítico também é escorpiano e às vezes se comporta assim -.

Renée Zellweger tem um envolvimento amoroso com a personagem de Hugh Grant ( ator que começou a atuar de verdade em UM GRANDE GAROTO ) sem saber que ele não deseja mais nada dela que sexo. Um pouco ingênua e sonhadora sua personagem acredita que este caso pode terminar em um lindo casamento. Hugh Grant interpreta bem, um homem mulherengo inveterado e insensível, beirando a canalhice.

A busca do amor verdadeiro para quem passou dos 30 anos é mais sincero que para uma pessoa de 20 anos, por exemplo. A idade já pesa e a estabilidade na vida sentimental com uma moça vira um atrativo muito grande, pois a maturidade já chegou e estar ao lado de alguém que satisfaça seus anseios é mais confortador nesta faixa etária. Muitas vezes estas pessoas já tiveram decepções amorosas e não tratam sua nova conquista como uma mera paixão, mas sim, como a pessoa que deseja conviver para sempre.

Algumas cenas do filme são mostadas antes que elas tenham realmente acontecido, mostrando uma inovação para época que ajudam a dar o tom de leveza à película. São imagens onde a protagonista mentaliza algo que deveria dizer ou fazer, e percebe a tempo, que não deve agir deste modo. Inovações como esta realçam a originalidade que O DIÁRIO DE BRIDGET JONES trouxe para o cinema.

Os diálogos são muito profundos e estão acima da média entre os filmes do gênero. A bonita fotografia realça o esmero da produção do longa, que trata de ilusões e decepções amorosas, com direito a um final feliz. O DIÁRIO DE BRIDGET JONES é todo de Renée Zellweger que até ganhou uns quilinhos a mais para interpretar sua personagem.

Cativante, o longa mostra uma mulher muito bonita, porém insegura e um tanto desajeitada, que já passou da hora de casar, em busca do marido dos sonhos, que consegue seu objetivo sem mudar de postura ( embora tente ). Sua obstinação é recompensada pelos bons sentimentos que tem em sua essência.

RETRÔ DVD

CRÍTICA: BRIDGET JONES – NO LIMITE DA RAZÃO

Uma Balzaquiana mais racional

O sucesso do primeiro longa gerou esta continuação tão bem realizada como o original. Renée Zellweger aparece na tela ainda mais gordinha e a intenção dos produtores era fazer um filme que mostrasse a seqüência do relacionamento amoroso que a personagem de Renée Zellweger vive com a personagem do correto Colin Firth. Se realmente aquele final feliz do DIÁRIO DE BRIDGET JONES, seria duradouro.

É um filme carismático, um pouco mais engraçado que o primeiro e mantém as mesmas características adjetivadas do original como a autenticidade e sinceridade das atuações e cenas. Trata-se de uma película simpática e agradável.

A trama volta a colocar a personagem de Renée Zellweger sonhadora, romântica, sincera e ingênua. Desta vez ela tem mais desilusões – algumas mais por mal-entendidos – e amadurece um pouco mais, principalmente depois de sua passagem por uma prisão tailandesa ( um equívoco das autoridades locais ), mas que é o ponto chave de sua união efetiva com a personagem do reservado e maduro Colin Firth.

O término do namoro entre as personagens de Renée Zellweger e Colin Firth, lá pelo miolo do filme, propicia ao canalha de plantão Hugh Grant ( um ator que interpreta com mais maturidade de alguns anos para cá, que no início da carreira ) mais uma chance de aproveitar-se de Zellweger. Hugh Grant percebe a fragilidade na vida sentimental de Renée Zellweger ( e em quase todos os sentidos ) e investe mais uma vez na promessa de amor com sua colega de filme, mas sua verdadeira intenção é ter, pura e simplesmente, mais noites de sexo com Zellweger.

A personagem de Colin Firth, que sabe o significado da palavra traição em relacionamentos sérios, é o oposto da personagem da ainda mais bela Renée Zellweger. Sua postura séria contrasta com a empatia e espontaneidade da personagem de Zellweger. Os opostos se atraem.

Duas pessoas, são duas verdades e na verdade são dois mundos ( frase de Humberto Gessinger, em uma de suas letras ), esboça como são os relacionamentos entre um homem e uma mulher. O conflito, principalmente de personalidade, entre o casal, muitas vezes, acarreta no término do romance de maneira precoce e errônea. Uma terapia de casal – interpretada por um ou outro, ou pelos dois, como bobagem -, pode resolver essas diferenças. As pessoas em muitos casos não enxergam que a felicidade está naquele relacionamento e não em outro, não se contentam com as vidas que possuem. Erro grave.

A produção de BRIDGET JONES – NO LIMITE DA RAZÃO é sofisticada. Os diálogos são primorosos e profundos. A fotografia é bonita e a trilha sonora ( como no original ) é acertada. Apesar de ter algumas cenas dispensáveis, o resultado final da película também fica acima da média entre as produções do gênero ( comédia romântica ). Talvez a mudança de diretor do original para este ( o diretor da continuação é Beeban Kidron ) tenha influenciado ao colocar alguns elementos mais dramáticos à narrativa e o humor deste é um pouco mais afiado que do DIÁRIO DE BRIDGET JONES.

O longa mostra uma protagonista almejando, como a maioria das mulheres, chegar ao casamento com o homem apropriado, e apesar de algumas desilusões aqui e ali na trama, atinge a plena felicidade em sua vida sentimental – algo que ela superestima -, sem deixar de lado sua sinceridade e autenticidade em gestos, ações e sentimentos.

MÁRCIO MALHEIROS FRANÇA

Dia de Apresentação - 1º dia de blog

2008-08-11T11:20:00.001-07:00

Estou participando do Blog Bub Company para tornar mais acessível às pessoas meu trabalho como crítico de cinema amador. Minha pretensão é profissionalizar-me como especialista, pois tenho capacidade interpretativa na área.

Estou no quarto período de Jornalismo, possuo o domínio do texto e gosto realmente de cinema. Já trabalhei na empresa de exibição cinematográfica Art-films na função de Porteiro-indicador há treze anos atrás. Porém a paixão pela crítica de filmes vem de longa data, em 1991, quando produzi um jornal amador durante anos a fio.

Meu trabalho no Blog consiste em fazer críticas de um filme mais antigo em DVD, na seção RETRÔ DVD, às segundas-feiras. E uma crítica de um filme em cartaz no cinema toda quinta-feira, na sessão Circuitão. Além de em um sábado por mês, analisar também de forma crítica um filme que se encaixa fora do circuitão, na sessão Cine Cult.

Minha forma de trabalhar é ( como todo crítico ) fazer uma leitura da película sob o meu ponto-de-vista, abordando desde roteiro; direção e atuações, a fotografia, etc. E a maneira como a história do longa é contada, bem como suas cenas memoráveis – quando há – e também os elementos que compõem a trama, tais como amizade, paixão à primeira vista, encontro de almas gêmeas, adultério, intrigas, etc.( conforme o filme venha a apresentar tais elementos ). Minha abordagem enquanto crítico é de forma madura – tenho 37 anos de idade – e filmes que contenham o maior número possível de elementos atrativos que se encaixem perfeitamente na narrativa terão ( como não poderia deixar de ser ) uma apreciação maior deste crítico.

Márcio Malheiros